DOCUMENTA FIFTEEN

Documenta es la exposición de mayor incidencia dentro del mundo del arte contemporáneo.
Marca tendencia y procesarla lleva su tiempo.
Durante su celebración, la ciudad de Kassel, sito de la exhibición, se transforma en un amplio museo de arte contemporáneo diseminado por varios lugares.
Documenta se celebra cada cinco años y dura exactamente 100 días.
Las obras de arte de formatos como pintura, fotografía así como instalaciones y ambientaciones se presentan en esta ocasión en 32 lugares de exposición distribuidos por la ciudad.
Es una muestra que mira al futuro y proyecta lo que vendrá en los próximos años.
Aunque su origen inicial en 1955, estuvo pensado para acercar el arte a las clases trabajadoras de la ciudad que con posterioridad a la Segunda Guerra Mundial habían quedado devastadas, en pocos años se convirtió en la mayor vidriera del arte contemporáneo del mundo.
Cuando se inauguró casi nadie esperaba un éxito semejante al logrado.
La primera edición estuvo dirigida por el artista Arnold Bode (Kassel,1900-1977) y el historiador de arte, el polaco Werner Haftmann (1912-1999).
La sede inicial fue el Museo Fridericiarum el cual se encontraba destruido por los bombardeos de la guerra, y al día de hoy, continúa siendo el centro neurálgico de documenta.
A modo de reparación de la devastadora política hitleriana que destruyó el arte moderno, llamado “degenerado” por los nazis, documenta presentó en su primera edición, obras de arte de principios del siglo XX en adelante.
Hoy día continúan manteniendo la misma consigna: arte actual y el que vendrá, casi que a modo de desfile de alta costura marcando la tendencia futura.
El nombre escogido hacía alusión al objetivo de pretender una “documentación del arte moderno”.
En forma constante y continua, documenta ha presentado innovaciones.
La edición anterior en 2017, se celebró por primera vez en dos ciudades diferentes, Kassel y Atenas.
Ha estado dirigida solamente por mujeres en dos ocasiones.
La francesa Catherine David, en la edición décima celebrada en 1997, marcó un punto de inflexión a raíz de sus grandes innovaciones.
La edición 11 estuvo dirigida por el nigeriano, crítico de arte, escritor y poeta, Okwui Enwezor.
La dirección de la exposición, está determinada por un comité de selección internacional que varía en cada edición y goza de absoluta libertad artística.
Los diferentes comisarios aportan cada uno su visión del arte contemporáneo incluyendo discursos sociopolíticos.
De esta manera documenta se reinventa y organiza conceptualmente en cada celebración.
Para esta decimoquinta edición y por primera vez, continuando con el sesgo innovador, se escogió para ser comisariada, un colectivo de artistas de Indonesia llamado Ruangrupa formado por diez personas con artistas y creativos de Yakarta.
Esta designación apela a la creación de una plataforma de arte y cultura global, cooperativa e interdisciplinaria.
El colectivo Ruangrupa, fue creado en 2000, con el objetivo de producir trabajos colaborativos en forma de proyectos de arte como exposiciones, festivales, laboratorios de arte, talleres, investigaciones, así como publicaciones de libros, revistas y diarios en línea.
Es una organización sin fines de lucro y se ocupa de apoyar el arte dentro del contexto urbano y cultural, mediante la participación de artistas y otras disciplinas como las ciencias sociales, la política, la tecnología, los medios, para llevar a cabo una observación crítica con distintos puntos de vista sobre los problemas urbanos contemporáneos de Indonesia.
Ruangrupa es un espacio interdisciplinario con objetivo de mantener, cultivar y establecer un sistema de apoyo integrado para talentos creativos, comunidades diversas e instituciones diversas.
Se ocupan de lograr establecer conexiones y colaborar, compartiendo conocimientos e ideas, fomentando el pensamiento crítico, la creatividad y las innovaciones.
Han participado en varios proyectos de colaboración e intercambio, incluida la participación en bienales como la de Gwangju (2002 y 2018), la Bienal de Estambul (2005), la Trienal de Arte Contemporáneo de Asia Pacífico (Brisbane, 2012), Bienal de Singapur (2011), Bienal de São Paulo (2014), Trienal de Aichi (Nagoya, 2016) y Cosmópolis en el Centro Pompidou (París, 2017).
Lo innovador para documenta, es que este equipo directivo, mira el arte desde fuera de Europa y se ocupa de centrarse en problemas que tienen su origen en el capitalismo, el colonialismo y las estructuras patriarcales.
Asimismo pretenden también atraer a personas más allá del público artístico habitual y eso se percibe a simple vista en la ciudad.
Es así que claramente se puede decir que han logrado su objetivo, no solo en la diversidad de las obras sino en el público diverso que la visita.
El arte en el siglo XX quedó dividido por dos artistas contemporáneos entre sí, quienes se conocieron uno al otro y valoraban sus obras recíprocamente, aunque las mismas fueran de tenor diferente.
El camino pautado por el americano Andy Warhol (Pittsburg, 1928-1987), quien hizo hincapié en el mercado del arte valorizando el producto firmado por el artista con un gran reconocimiento personal y social detrás.
Por otro lado, la incidencia creada a partir de la gestión del alemán Joseph Beuys ( Krefeld, 1921-1986), con una postura radicalmente opuesta llevando al arte a un plano descontextualizado, unido a la naturaleza, al objeto banal, sin valor económico adherido y fundamentalmente con el firme propósito de encontrar en el arte, formas para la sanación del ser humano. Beuys sobrevivió en un accidente aéreo en la Segunda Guerra Mundial y era considerado un chamán dentro del medio artístico.
Esta documenta claramente continua dentro de la línea de Beuys.
Kassel es una ciudad muy ordenada y fácil de recorrer. Las obras de arte conformadas por 68 artistas, están dispersas en 32 lugares distribuidos por la ciudad entre museos, sitios dedicados al arte , así como cines, tiendas comerciales , la estación de tren y Iugares inverosímiles como espacios públicos al aire libre.
Los sectores están divididos en cuatro circuitos: Mitte, Fulda, Bettenhausen y Nordstadt.
Es una de las consignas del arte actual: salir de los espacios exclusivos dedicados al arte para llegar a todo el público masivo.
La mayoría de las propuestas, muy poco convencionales por cierto y de difícil asimilación a simple vista, están realizadas por colectivos.
De esta manera, documenta 15 apunta a la desvalorizacion de la obra de arte hecha y firmada por un solo artista apelando a la intrascendencia del objeto de arte.
Hacer referencia a obras de arte puntuales, no es de aplicabilidad dentro de este concepto de documenta.
La palabra que más resuena en esta edición es colectivo, a donde se enfoca la aplicabilidad del arte en forma acelerada desde hace ya unos años.
No se destacan ni obras ni artistas conocidos.
Lo que se percibe claramente es la filosofía de esta nueva postura del arte desintegrado y perteneciente a varios sectores de la vida del ser humano.
La consigna básica es sensibilizar al público y animar a realizar arte en sus varias diversas modalidades.
Las propuestas son en su mayoría de carácter antropológico dando participación a culturas fuera del anillo central de la Europa hegemónica.
Hay una amplia participación de mujeres artistas, así como se percibe la presencia de la naturaleza y los animales, todo dentro de la línea de Beuys.
También se da cabida al mundo infantil como fuente de inspiración.
Hay proyecciones de vídeos en grandes espacios logrando una ambientación que integra a los espectadores.
Es una exhibición que se distancia del formato bienal, no busca grandes protagonistas así como tampoco obras de gran impacto.
El hecho de que este nuevo relanzamiento del formato artístico internacional sea realizado en uno de los países más poderosos del universo, también genera un doble discurso pues aunque viniendo la propuesta de la periferia, es Alemania quien lo aprueba y legitimiza.
Deberíamos de preguntarnos si este éxito se hubiera podido lograr desde una plataforma situada en África o en América Latina.

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