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Innova Art Space

TEMPORADA 2025

2 – 23 de enero

PABLO LA PADULA

El Lenguaje del Humo

En el albor de la humanidad a través de la domesticación del fuego el homo sapiens devino ser humano y la materia transformada por su toque, en artefacto cultural. Lo primero que hicimos con ese fuego hace 40 mil años fue dejar nuestra huella en la pared de piedra en clave de autorretrato junto también a la representación de nuestros hermanos de caverna: los bisontes y mamuts, entre otros.

Hoy la caverna ya es de concreto, metal y vidrio, y los bisontes hoy ya se hallan transmutados por la abstracción de la geometría en el espacio, donde el sintético lenguaje matemático funciona como intelección de lo viviente. Así del arte surge la ciencia.

El Lenguaje del Humo traza un arco personal con el encuentro primigenio del fuego y el carbono como un puente poético de autoconocimiento artístico: nuestro cuerpo, lo vegetal que nos acompaña en nuestro camino cotidiano y un intento de búsqueda de un propio alfabeto visual a partir del estricto uso del humo que se desprende de una vela para afrontar la inmensidad del tiempo existencial.

Me gusta pensar esta obra como arte rupestre contemporáneo, urbano…en diálogo inclusive con la sombras de aquellos insectos que en los albores de cámbrico comenzaron su vuelo cuyo eco reverbera aún en nuestro presente. Me gusta también pensar en una posible auto-ontogenia artística que réplica especulativamente una posible filogenia del arte como desarrollo de un lenguaje perceptivo que no es estrictamente racional, donde toda intuitiva invención podría ser tan solo una inconsciente recapitulación y eco de lo ya vivido a lo largo de nuestro milenario andar sobre la tierra.

Siento, luego pienso.

Pablo La Padula

Bio

Buenos Aires, 2 de julio de 1966. Es artista visual, Doctor y Licenciado en Ciencias Biológicas, Facultad de Ciencias Exactas y Naturales, Universidad de Buenos Aires (UBA). Es investigador del Instituto A. Taquíni de Investigaciones en Medicina Traslacional (UBA-CONICET). Consejero Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, Ministerio de Cultura (2019-2020). Director de la revista CIENCIA HOY y CIENCIA HOY PARA NIÑOS y Asesor Académico del Centro de Arte y Naturaleza, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF-MUNTREF). Su trabajo artístico indaga sobre las formas y relaciones que la humanidad ha establecido con la naturaleza a lo largo de su historia como modo de intelección en clave visual con el otro diferente. Su obra ha sido recientemente reseñada en revistas internacionales como Art Forum, Sculpture Magazine y Glass Art Society-GASNEWS. Cabe destacar su residencia en Port Tonic art Center, Gulf de Saint Tropez, Francia (2019) y su exhibición individual Stone View en Miranda Bosch Gallery New York, (2019-2020) y su muestra antológica Transhumo en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires con la curaduría de Eduardo Stupia. (2023) Su obra integra las colecciones del Museo de Arte Moderno (MAMBA) y del Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), ambos de la Ciudad de Buenos Aires, y ha sido expuesta en instituciones como MALBA, PROA, Fortabat, MACBA, Fondo Nacional de la Artes, Fundación Klemm, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural General San Martín, Palais de Glace, Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Kirchner entre otros. Desarrolla una activa plataforma interdisciplinaria entre arte, ciencia y naturaleza en instituciones como MNBA, ANBA, MALBA, MAMBA, MACBA, CCK, PROA, FLACSO, Centro Cultural de la Ciencia, UBA, UNSAM, UNTREF-MUNTREF, entre otras.

MNBA: Museo NAcional de Bellas Artes (Argentina);ANBA: Academia Nacional de Bellas Artes (Arg); MAMBA: Museo de arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires; MACBA: Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires; CCK: Centro Cultural Kirchner; UBA: Universidad de Buenos Aires; UNSAM: Universidad Nacional de San Martín; UNTREF: Universidad Nacional de Tres de Febrero.

https://pablolapa.wordpress.com/

https://www.instagram.com/pablo_la_padula/

2 – 23 de enero

SILVANA MUSCIO

Destellos – Estudio Abierto

En esta intervención fotográfica, presento una constelación de fotografías de una naturaleza cercana y afectiva. Instantáneas de mis recorridos cotidianos por paisajes naturales y urbanos, todas están ligadas a la intuición y al asombro.

Camino, observo, aprecio la naturaleza sublime, esa que crece sin esfuerzo. Retrato los fenómenos naturales donde la luz es siempre la principal aliada en la creación de las formas: claroscuros que resplandecen en un verde lleno de vida, recortes geométricos en expansión espacial de ritmo y color.

En un sentido más amplio, la fotografía me permite ejercer una mirada amorosa primero sobre el follaje, los ríos, la niebla, las ciudades que recorro y luego sobre el entorno en el que vivo: crea ese lazo invisible entre lo que nos conmueve en el paisaje natural y en las imágenes que nos acompañan en nuestro hábitat cotidiano.

Intervenir significa “venir a ponerse entre dos o más cosas”, entre el exterior y nuestro habitar más íntimo. Viene a reforzar el acto fotográfico como el vínculo entre la realidad exterior y su representación artística.

En esa convivencia íntima con la obra de arte, como dice Kandinsky, asumir la posibilidad de penetrar en ella “y vivir sus pulsaciones con sentido pleno”. Y en la contemplación de la naturaleza de vida representada en cada una de estas fotografías, tomar conciencia de que somos parte del ciclo vital único y universal.

Silvana Muscio

Artista visual. Licenciada en Ciencias de la Computación, Facultad de Ciencias Exactas y Naturales, Universidad de Buenos Aires (UBA). Diplomada en Comunicación para la Gestión del Cambio y magíster en Gestión de la Comunicación en las Organizaciones (Universidad Austral). Especialista en gestión ágil de proyectos con desarrollo de formatos de innovación y colaboración abierta para gestión del conocimiento y de la producción artística transdisciplinar, con foco en la inclusión social. Directora artística en Inspirad@s, organización canadiense dedicada a la promoción del arte y literatura latinoamericana, contribuyendo al intercambio cultural entre países de habla hispana.

Desde 2004 ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales en instituciones públicas y privadas, entre ellas, Ungallery (Argentina), Centro Cultural Rojas (Argentina), Centro Cultural General San Martín (Argentina), Appart Paris (Francia), Portal de Luz (Uruguay), Museo de las Mujeres (Costa Rica), Dacil Art Gallery (Argentina), The Pool NYC- EyeVGallery (Milán), Yeruá (Argentina) y en las ferias de BAPHOTO y ArteBA (Argentina), PhotoBasel (Suiza), Zona Maco (México) y Parte (Brasil), Su serie fotográfica A una casa de Rosas no te acerques fue publicada por la revista internacional Zoom Magazine. Participó de la residencia artística Portal de Luz en Uruguay en las ediciones 2018 y 2023.

Entre los proyectos colaborativos y territoriales y vinculado con la preservación del acervo lingüístico-cultural, se destaca su participación en “Palabras Madres” (Buenos Aires 2023),guiando a los estudiantes universitarios canadienses (Spanish for Community, Universidad de British Columbia, Canadá) para su producción visual en territorios indígenas relacionado con su trabajo de traducción de poesía indígena mapuches (Argentina y Chile) y Mi’kmaq (Canadá). Por otra parte en “Encuentro de Intercambio Argentina-Canadá-Paraguay” (2024) representa a Inspiradas, en el armado de redes artísticas colaborativas en el marco de las jornadas “La palabra indígena”, Feria del Libro de Buenos Aires, en el Decenio Internacional de las Lenguas Indígenas declarado por la UNESCO.Respecto de los proyectos de compromiso social se destacan, la creación de “La vuelta a…” , proyecto múltiple que promueve el uso de la fotografía como medio para la vinculación afectiva con el territorio que habitamos. En 2016, la experiencia es realizada en ámbito de las escuelas públicas bajo el concepto de “escuela abierta” con el fin de estimular el integración y la participación entre los alumnos, madres, padres y docentes, afianzando los vínculos de la comunidad, su sentido de pertenencia y afecto al lugar donde concurren diariamente; “Ratón inspirado” (2021-2022) Proyecto fotográfico desarrollado en barrios vulnerables de la ciudad de Medellín, Colombia, mediante la gestión simultánea de 4 bibliotecas populares de la Fundación Ratón de Biblioteca, organización que promueve la lectura e integración comunitaria.

Es parte de Proyecto Trasborde, colectivo de artistas mujeres, que, a través de diversas acciones artísticas, visibilizan a otras mujeres que trabajan para la comunidad a la que pertenecen. También forma parte de La Gran Paternal, iniciativa autogestiva e independiente de artistas que abren sus estudios en Buenos Aires, para desarrollar diversas iniciativas artísticas y barriales orientadas a la comunidad.

Sus obras integran varias colecciones nacionales e internacionales. Vive y trabaja en Buenos Aires.

31 enero – 23 de febrero

LUIS CAMNITZER

“Antología de las Playas del Este”

Es una obra nostálgica dedicada más que a la ausencia, a la no-presencia y a la imposibilidad. Las imágenes de las playas registran playas que no existen. Fueron “imaginadas” por aplicaciones de inteligencia artificial y seleccionadas de acuerdo a como encajan en una memoria, que incompleta, aquí se documenta como un recuerdo fiel que no existe. La “memoria artificial” se enfrenta así a la contribución del público: documentos fotográficos de la arena real que en su conjunto construyen una nueva playa, mucho más real, pero igualmente ficticia.”

Luis Camnitzer

2025

Bio

Es profesor emérito de la State University of New York College en Old Westbury. Representó a Uruguay en la 43ª Bienal de Venecia en 1988 y ha expuesto obras en varias bienales, entre ellas, varias ediciones de la Bienal de La Habana, la Bienal de Whitney en 2000 y Documenta 11 en 2002. En 2018, una retrospectiva de su obra fue presentada en el Museo Reina Sofía. Sus obras están presentes en la colección de más de 45 museos y está representado por Alexander Gray Associates, de Nueva York. Fue curador pedagógico de la 6ª Bienal del Mercosur (2007), Porto Alegre; y curador del Programa de Visualización, Drawing Center, Nueva York. En 1999, coorganizó la exposición Global Conceptualism: Points of Origin, 1950s–1980s en el Queens Museum, Nueva York, junto con Jane Farver y Rachel Weiss.

31 enero – 23 de febrero

GERARDO GOLDWASSER

Memorial

Goldwasser viene trabajando con el manual de sastrería utilizado por su abuelo en el campo de concentración de Buchenwald, Alemania, erigido en 1937 cerca de Weimar bajo el régimen del nacionalsocialismo alemán, “cuando confeccionó uniformes nazis para poder sobrevivir”. Explica que su “trabajo vincula estos escenarios: la sastrería, los afectos, la violencia, la memoria y el arte”.

La definición de trabajar desde la práctica artística sobre el oficio de sastre surgió en los 90 cuando su padre encontró los manuales de confección utlizados por su abuelo, de los cuales estudió “sus contenidos” convirtiéndose “en materia prima” de su práctica artística hasta la fecha, cuenta Goldwasser.

“Tiene capítulos extensos de como confeccionar uniformes, y los referidos a la confección de otras indumentarias son más cortos”. Y agrega que su interés estuvo en “reflexionar en varios niveles”.

Por un lado observar los “esquemas/siluetas/dibujos muy precisos de instrucciones para la elaboración de moldes de uniformes, y por otro la interpretación de los textos del alemán al español que hacíamos con mi familia, donde todos esos contenidos explicaban cómo realizar un oficio, pero también el sentir de la violencia, dado que de la lectura se desprendía que en algunos significados no había una simple instrucción, sino una orden”, afirma.

“Yo tenia un pequeño estudio en la planta alta de la casa de mis abuelos y en la planta baja funcionaba el taller, y en todo el resto de la vivienda familiar. Entonces, entre subidas y bajadas, proyectamos junto con mi padre y mi tío, diferentes obras, utilizando como elementos protagonistas los de la sastrería: los patrones, los cortes, las telas, y procedimientos utilizados”, explica.

“Tuve desde aquellos años, diferentes vínculos con la memoria. En aquellos tiempos, los materiales encontrados, más los relatos familiares, generaron un grupo de obras”. cuenta, para luego acotar que le quedan ahora “sus herramientas, objetos y los recuerdos de producir juntos, intercambiar e incorporar oficios o profesiones con una naturalidad maravillosa”.

Bio

Estudió en el Centro de Expresión Artística, dirigido por Nelson Ramos. Es profesor adjunto de la Licenciatura de Comunicación Visual de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de la República. Obtiene la beca Fondo de Estímulo a la Formación y Creación Artística (FEFCA), Justino Zabala Muníz y los Fondos Concursables para la Cultura, ambas del Ministerio de Educación y Cultura (2014 y 2015). Obtuvo la Beca Fundación Pollock-Krasner, New York, (2001), el Segundo Premio en la II Bienal de Grabado del Mercosur, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, (2000), el Premio Paul Cézanne (1997) y el Gran Premio Bienarte III, Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos (1990-1992). En 1999, 2002 y 2003 Recibió el Primer Premio del Salón Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Mención en el Museo de Arte Decorativo (Buenos Aires) el Primer Premio en la Cuarta Muestra de Artes Plásticas Nacional Coca Cola-Pluna, Montevideo (1989), y el Primer Premio en el Encuentro Internacional del Cómic, Badalona (1989). Ha realizado residencias en el Atelier Internationale du Fond Regional d’Art Contemporain (FRAC) des Pays de la Loire, Nantes (1996) en Nueva York (Beca Bienarte III) (1992), y en el taller de Ediciones Arte dos Gráfico, Bogotá (1999), El viaje, edición de libro, 18 artistas y poetas latinoamericanos judíos, Asociación Venezolana-Israelita, Caracas.Representó a Uruguay en diversas bienales de artes visuales, entre las que se destacan: 59° Bienal de Venecia (2022); I Bienal Internacional de Arte de Panamá (2013); IX Bienal Internacional de Cuenca (2007), II Bienal de Grabado del Mercosur, Buenos Aires (2000), VI Bienal de La Habana (1997), y I Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Porto Alegre (1997). Desde 1985 ha expuesto individual y colectivamente en Uruguay, Argentina, Colombia, Brasil, Cuba, Francia, Estados Unidos, España, Panamá y Ecuador.

Vernissages: viernes 6 y 20 de enero / viernes 3 y 12 de febrero 20:30 a 23:30
Visitas guiadas durante la semana con cita previa
What’s app: +34 634 561 777 Tel: 099 990 9358
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Ruta 10, km 166,4 y calle 9
Balneario Buenos Aires