Enero 2013
Elián Stolarsky ya desde niña estuvo involucrada con lo artístico. Es así que concurrió al taller de cerámica de Mayerling Wolf y al de expresión Plástica de Teresa Gilli y Claudia Anselmi.
Estudió también en el taller de caricaturas e historietas de Fermín Hontou (Ombú) y Tunda Prada, concurrió al espacio de esculturas de Hebert Mendizábal y realizó estudios en el taller de cuerpo humano de dibujo al natural con Esteban Smerdiner. Se recibió como animadora profesional en Animation Campus. Ha realizado el diseño y concreción de escenografías para espectáculos de danza y teatro. Trabaja como ilustradora, escenógrafa y animadora freelance. Hoy, la conocemos un poco más a través de sus respuestas en nuestro ciclo Plásticos de esos que ves por ahí.
“Igualmente, como con el amor, no sé si se puede vivir del arte pero vivir sin el mismo para mí es imposible.”
-¿Cuándo empezaste en el arte?
-Decidí sistematizar aquello que empezó siendo una pasión por el dibujo, cuando tenía alrededor de 14 años.
-¿Qué intentan exteriorizar tus obras?
-Actualmente, los recuerdos y la memoria, como éstos y la ficción están tan unidos que a veces es imposible distinguirlos.
-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
-Parto de ideas de base en cuanto a temas que quiero abordar. Y una muy vaga noción a partir de con cuáles materiales comenzar (esta elección dependerá de la idea primaria). Luego me tiro a trabajar. Y bueno, es ahí que uno bucea intentando encontrar certidumbres pasajeras.
-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? -¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?
-Comencé dibujando y reconozco que más allá de la forma que elija y el material, siempre lo voy a seguir haciendo. Las instalaciones, cualquier video, imagen, parten de dibujos y se manifiestan como tales. Más concretamente, ahora me encuentro trabajando con técnicas de grabado. Tallando acrílicos al estilo punta seca, para luego integrarlos en instalaciones. Uso el grabado, porque ya desde su nombre, implica memoria y es el lenguaje que mayor afinidad para mí tiene al hablar de cuestiones de tiempo, familia…tradición por sobre todo. Y el acrílico por su maravillosa capacidad de transparencia, de fragilidad aparente. Que me permite jugar con la superposición, con la luz y con la tinta.
-¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta trabajar?
-No tengo. Me encantan las grandes dimensiones. Aquellas que superan mi tamaño corporal, porque implican casi una danza ritual mientras se trabaja en la obra. Pero son las menos posibles por cuestiones de costos y de espacio.
-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?
-Creo que ninguna de mis obras son totalmente independientes. Como ninguna de mis etapas como persona. Pueden dar giros que parecen rotundos, pero siempre son en consecuencia nuevas capas que dejan entrever lo viejo. Como entiendo el paso del tiempo; no una historia lineal (no un proceso creativo lineal) sino en espiral. Como una superposición de capas semitransparentes que generan una nueva imagen a partir de la sumatoria y el ocultamiento. De hecho por eso los materiales con los que trabajo.
-¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?
-¡Soy una gran contradicción andante! Si bien me preocupa el tiempo, me obsesiona, al hacer la obra se vive pura y exclusivamente el presente y no pienso acerca de una vez finalizada la misma qué sucederá con ella. Uno con el devenir que va conllevando el encuentro con los materiales, las ideas, los impulsos creativos y las intuiciones, que hace que olvide que está la posibilidad de la obra como elemento que permite la trascendencia. La verdad no sé ni puedo imaginar qué sucederá con mi obra bajo los efectos del tiempo, estoy demasiado preocupada en continuar trabajando.
-¿Qué te interesa que generen en el espectador?
-Impacto. Eso vendría a significar un choque, un encuentro. Aquello que logra llamar la atención uno lo recuerda en principio sin saber porqué. Y si la obra es buena…se buscarán las posibles respuestas.
-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
-Recién estoy intentando y por lo visto no es fácil (o por lo menos tratando de mantenerse dentro de este territorio). Igualmente como con el amor, no sé si se puede vivir del arte pero vivir sin el mismo para mí es imposible.
-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
-No. Todo lo carente de sinceridad, compromiso con lo que se está diciendo y búsqueda para mí es desechable. Y el espectador no es para nada tonto, sabe distinguir.
-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?
-Positivo: que se están continuamente generando espacios que permiten y fomentan el diálogo artístico. Negativo: que los artistas confundimos conceptos y muchas veces sólo hacemos arte para otros artistas.
-¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos?
-Con los museos uruguayos me parece que hay una gran apertura al diálogo y a considerar nuevas propuestas. En cuanto a las galerías (siempre hablando de nuestro país), me parece que los grandes coleccionistas se encuentran fuera del país en su gran mayoría y que las mismas sino poseen apertura al exterior están destinadas a durar poco.
-¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?
-Generar una educación que tome como fundamental la enseñanza también de las artes. En los jardines, las escuelas. No para generar más artistas, sino para generar personas más sensibles y con capacidad de comprender y aprehender distintos lenguajes que posibilitan más puntos de conexión con el otro y por ende con uno mismo. Como artista no pretender que la gente se acerque a mi obra, sino yo acercar la obra. Como público que también soy, ser crítico (en el sentido de ser generador de preguntas) y poder formar opiniones propias.
-¿Cuáles son tus referentes artísticos?
-¡Hay tantos! En estos momentos Borges, Anselm Kiefer, Kathe Kollowitz y con demasiada admiración Tarkovsky.
-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo?
-Por medio de Facebook, Internet y lo que es más divertido exponiendo (es ahí donde uno puede ver realmente la expresión gestual y devolución inmediata del público con respecto a la obra).
-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?
-Mi familia desde chiquita solía como paseo ir los fines de semana a museos como a ver teatro para niños. Siempre hubo mucho libro sobre arte en mi casa como CDS de música para escuchar todos juntos. Y la verdad no sé si todos tienen o tuvieron esa suerte. Considero que no crecemos con la variedad de estímulos artísticos como si lo hacen otros países (si uno va a Roma cada plaza es un espectáculo de estatuas de una belleza inconmensurable, en las iglesias se ven pinturas de Caravaggio, etc). Pero el arte está hecho para la gente en general y no sólo para aquellos formados en el tema, por lo tanto está en nosotros los artistas, hacer propuestas que logren llegar a la gente sin tanto adorno innecesario. Si no está la costumbre, empezar a generarla.
-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?
-En cuanto a las redes sociales, que son herramienta maravillosas para difundir y conocer en tanto que se usen con criterio y real conocimiento de las mismas.
-¿En qué proyectos trabajas actualmente?
-Sigo tallando, amando el grabado mezclado a formatos de instalación y tratando de incursionar con ayuda de otros artistas en el mundo del arte y la robótica.
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