Yvonne D’Acosta nació en Montevideo en el año 1949. Tiene formación teórica en cursos, seminarios y clínicas con Alfredo Torres, Dorothée Willert, Nelson di Maggio, Estela Abal, Clio Bughel, ENBA, Sandino Núñez. En 2003 Inauguró su atelier en la calle Piedras 279. Es Miembro Fundador de APEU-Artistas Visuales. Se desempeñó como Secretaria de la Comisión Directiva desde 1996 a 2003.
Ha expuesto numerosas veces de manera individual y colectiva, y ha obtenido diversos premios y menciones. De lo más cercano en el tiempo se destacan las muestras individuales en 2009 Real-Realidad-Realismo, con Curaduría de Alberto Lastreto en La Pasionaria; en 2008 expuso “Blanco” con curaduría de Gustavo Tabares – Colección Engelman-Ost Montevideo. En 2005 en el Centro Municipal de Exposiciones: Altares – Instalación.
En el 2008 fué seleccionada para participar en el Premio Nacional Hugo Nantes, en el 2007 el 52º Premio Nacional de Artes Visuales María Freire y en 2004 se hace presente en el 51º Salón Nacional de Artes Visuales.
No comunicamos con Yvonne desde COOLTIVARTE, y con sus respuestas nos ilustra más acerca de su incesante y fructífero trabajo en el mundo de las artes plásticas.
“Todo es válido, mientras sea arte. No todo lo que se produce bajo esta etiqueta lo es. La falta de conocimiento, de información, de formación, es la que hace decir que todo es válido”
-¿Cuándo empezaste en el arte?
-Desde muy niña me intereso el arte, mirar libros, dibujar y pintar. Y en el año 1975, luego de haber concretado ciertas cosas en mi vida privada, decidí que quería pintar, y en ese momento me recomendaron el taller de Hilda López. En plena dictadura, solo en talleres particulares uno podía aprender. Y fuera de ese ámbito poco o nada se compartía.
-¿Qué intentan exteriorizar tus obras? ¿Qué te interesa que generen en el espectador?
-Me interesa que mis obras se completen en la mirada del espectador, que sean un disparador para que el receptor sienta, piense, relacione, critique, cuestione, o sea que participe en el proceso.
Y en cuanto a exteriorizar, creo que la palabra incertidumbre, bien podría ser el nudo, el meollo desde donde empiezo a tirar hilos y concretar cosas.
-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?,¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?
-Creo que es una mezcla de ambas cosas, ambas son necesarias. Concentrarme en el trabajo manual, ver que se va logrando, y en ese hacer el pensamiento va surgiendo, ¿quién estaba primero, el pensar o el hacer? Y no puedo saber cómo incidirá el tiempo en mi trabajo, solo sé que debo de dar lo mejor cada vez.
-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?
-Una obra le abre camino a la otra, siempre hay un hilo conductor, o varios. Tomamos un camino y otro, pero siempre hay un nudo primario desde donde partimos.
-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más y Por qué las eliges para trabajar? ¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta trabajar?
-Desde hace unos 8 años estoy trabajando para lugares específicos. Ya sea por el tema que quiero desarrollar, o porque una sala me interesa e inspira. Y entonces los materiales serán elegidos para el caso. Esculturas blandas, pintura, objetos, lo que sea. Y luego esa obra se transforma en otra, y solo algunas piezas se conservan. Me haría falta un galpón donde guardar todo!!!
-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
-Hay gente que lo hace, yo no.
-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
-Todo es válido, mientras sea arte. No todo lo que se produce bajo esta etiqueta lo es. La falta de conocimiento, de información, de formación, es la que hace decir que todo es válido.
-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?
-Hay buenos artistas, y dentro de las limitaciones de medios y recursos, se logra producir a buen nivel. Y hay mucha gente joven trabajando, lo cual nos asegura que surgirán nuevos nombres que aportarán a nuestra cultura.
-¿Qué tan importante es que el artista genere su propio análisis escrito y reflexivos acerca del rol social, político, económico, ambiental e institucional del arte; promoviendo la crítica sobre su obra y el arte contemporáneo?
-En los ejemplos de lo escrito por: Joaquín Torres García, Pedro Figari, Rafael Barradas, vemos lo importante que es para la posteridad, para su estudio, lo escrito por el artista sobre obra y contexto. Hay otros artistas que no lo hacen. Pero alguien debe de hacerlo. Una obra sin análisis, crítica y documento, no perdura.
-¿Cómo ves la crítica cultural en nuestro país y en América del Sur?
-De América del Sur conozco poco, algunos nombres, por lo que no opino. En nuestro país, la crítica ha tenido un cambio desde que empecé a trabajar. Desaparecieron espacios de difusión, y ahora en los últimos tiempos han surgido nuevos, revistas, publicaciones, revistas virtuales, donde el crítico puede publicar su trabajo y también están surgiendo nombres nuevos en este hacer. Lo cual es bueno. Pero todavía falta..
Falta material de estudio, que fundamente, valore, rescate del olvido, a los artistas de un pasado reciente y a la producción actual le dé un marco teórico. Y esta respuesta esta enlazada con la anterior. Sin textos que rescaten obra y autores, perdemos historia.
-¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos?
-Museos, galerías, coleccionistas, mecenas, espacios culturales, críticos, son la forma de legitimar la obra de un artista. Las galerías y coleccionistas desde lo comercial. Sí son importantes, pero sabemos de la falta de un real mercado del arte en nuestro país. Lo cual puede ser bueno o malo, pero ese es otro tema. Aquí también se ha producido un incremento de agentes, han abierto nuevas galerías, algunas solo para el arte contemporáneo, o espacios, y eso es bueno.
-¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?
-Y para mejorar la relación, la ecuación sería más educación y difusión, más interesados en arte, Y así la rueda giraría con más fluidez.
-¿Cuáles son tus referentes artísticos?
-De los uruguayos ya consagrados: Hilda López, los planistas, Pedro Figari, Federico Sáez. Obras de artistas que vi en el exterior y marcaron: Cristian Boltansky, Richard Serra, Félix Gonzáles Torres, Magdalena Abakanowicz, Regina Silvera. Y en mi juventud, los impresionistas. De mis colegas contemporáneos, me interesa la obra de Cristina Casabó, Raquel Bessio, Alberto Lastreto, Pablo Uribe, Marco Maggi, Diego Massi, y otros más.
-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo? ¿Generas vínculos con agentes culturales en el exterior para hacer circular tus obras?
-No. Prefiero concentrarme en crear y mostrar en mi medio.
-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?
-Es reducido el número de uruguayos afines a consumir arte, Falta motivación, pues cuando se difunde adecuadamente una muestra, el público concurre masivamente. Ejemplo de esto ha sido la muestra de Rafael Barradas en el Museo de Artes Visuales o la primer Bienal de Arte de Montevideo. Y es una pena no se dé a conocer más lo que sucede en las diferentes salas, por ejemplo, en el Espacio de Arte Contemporáneo, poco frecuentado por el público en general Cosas buenas están sucediendo que pueden generar más público para el arte, como ser: el bachillerato artístico, visitas guiadas en el EAC y MNAV, emprendimientos privados, apoyados por la Intendencia, como el Barrio de las Artes, Museo Gurvich, Centro Cultural de España, Dodeca y otros. ¿Se imaginan cinco minutos de difusión en cada noticiario de los diferentes canales de televisión y radio todos los días? ¡Sería fantástico!
-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?
-Ahí todo vale.. Circulan las imágenes y cada uno decide que quiere consumir. Te enteras de lo que sucede, aquí y allá, Es difusión, sirve.
-¿En qué proyectos trabajas actualmente?
-Estoy trabajando sin un proyecto determinado, Experimentando en plano y volumen, y de este trabajo, en algún momento surgirá un proyecto.
Este año concrete el “La Sombra” instalación que se expuso en el Centro Cultural Kavlin en Maldonado.
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