Expresividad y fuerza, entrevista a Luis Quintano Navarro

Nos encontramos con Luis navegando linkedin, enseguida nos llamó la atención su trazo y lo invitamos a nuestro ciclo de Plasticos… para conocerlo un poco más.

-¿Cuándo empezaste en el arte?

Tengo recuerdos dibujando desde muy pequeño, siempre tuve facilidad con el dibujo. Recuerdo que fui muy tímido y dibujando dejaba volar toda mi imaginación. No obstante no empecé a pensar en el arte de una forma profesional hasta el final de mis estudios como arquitecto.

A día de hoy mi interés está en compaginar el arte, la arquitectura, la fotografía y el diseño como modo de vida.

-¿Qué intentan exteriorizar tus obras? ¿Qué te interesa que generen en el espectador?

Mis obras exploran las ambigüedades de mi alrededor y de mí mismo, intentan buscar realidades no aparentes a simple vista. Busco la expresividad y la fuerza por encima del cuidado de la técnica. Creo que en cierto sentido cuando dibuja uno espera encontrar más que buscar, dejarse llevar por la emoción de lo imprevisible. Es un modo de auto conocimiento.

Para mí lo más importante es que una obra no deje indiferente al espectador, que le haga pensar y preguntarse sobre un hecho concreto. La emoción es muy importante.

-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras? ¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?

En mi caso lo espontáneo mando sobre lo racional, considero que hay una reflexión casi espontánea sobre la marcha. Me gusta la frescura y el gesto, esa capacidad de sorprenderse a uno mismo con cosas que no había pensado de antemano.

No obstante, hay también una parte de reflexión previa que a veces está más en la búsqueda de un tema o emoción. Es casi como en el teatro de improvisación, donde con pocos elementos previamente pactados hay que organizar un todo sobre la marcha.

¿El tiempo….? Es un concepto ambiguo… tiempo de secado de las pinturas, el tiempo que tarda en realizarse una obra, año de realización, momento climático, periodo de vida en una ciudad determinada, época donde uno vive…? Por supuesto el tiempo en cualquiera de sus expresiones influye, pero me gustaría pensar en un arte atemporal, donde el tiempo no es tan determinante. Es interesante llegar a la conclusión de que una obra puede ser vigente fuera de su tiempo y contexto.

-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?

Normalmente las obras están muy relacionadas entre sí aunque a primera vista no sea tan claro. Asimismo muchas de ellas pertenecen a series determinadas con una temática concreta.

Por ejemplo en la serie “Historias con Arte” jugaba con cambiar el contexto de grandes obras de la Historia del Arte al colocar en ellas iconos del presente. Incluso a veces estos iconos consiguen un efecto emotivo contrario del que buscaba la obra original.

En otra de las series, “Máscaras”, exploraba la idea de máscara como protección que usa el hombre para refugiarse dentro de la sociedad a la vez como medio de integrarse al mismo tiempo. Cada vez nos creamos un perfil más virtual de nosotros mismos y nos alejamos de nuestra esencia. Hay cierta idea de mezclar lo que uno es, lo que quieres ser y lo que no se atreve a mostrar, creando una imagen impersonal a la carta.

Creo que una de las ideas que siempre me han atraído en la mayoría de las obras es la ambigüedad, la búsqueda de lecturas paralelas y la posibilidad de mirar desde otro lado lo que tenemos prefijado. En este sentido este interés lo comparto también con la arquitectura, donde creo que la complejidad y la ambigüedad de los tejidos urbanos son las que dan una gran riqueza e interés a las ciudades.

-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más y Por qué las eliges para trabajar? ¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta trabajar?

He trabajado con muchas técnicas: óleo, acrílico, carboncillo, acuarelas, tinta china e incluso arte digital. No obstante llevo un tiempo trabajando sobre todo con la acuarela.

Mi modo de dibujar es bastante expresivo e incluso salvaje a veces, la acuarela me sirve para domesticar ciertos impulsos, requiere tiempos de secado y cuidados en la técnica. Me resulta interesante esa lucha que surge entre mi naturaleza del trazo y la paz que exige la técnica. Otra cosa que permite la acuarela es la espontaneidad, ya que es muy imprevisible como serán los resultados finales.

Los tamaños de las obras han sido más bien pequeños, aproximadamente 30 cm, y los dibujos en papel. No obstante, tengo ganas de subir a grandes formatos.

-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?

Creo que es difícil vivir solo del arte, como en cualquier lugar, pero se puede tomar como un camino profesional complementario. En mi caso lo ideal será siempre compaginar la arquitectura con el arte.

Uruguay me abrió varias puertas en temas artísticos y siempre estaré agradecido. Creo que a diferencia de mi país, España, aquí es más fácil conseguir oportunidades y no hay una visión tan jerárquica.

-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

Es una pregunta con trampa. ¿Todo es válido…? No es posible que todo sea válido para ninguna disciplina, no solo la artística…

El problema de lo que es y no es válido es que es muy subjetivo, mi opinión va ser distinta de la de otro y por tanto… ¿quién será el que decida lo que vale y lo que no…?

Lo que si tengo claro, es que para mí lo válido en el arte es que el artista haga lo que siente por encima del mercado o de la crítica. Lo “válido” es lo auténtico por encima de las poses.

Hay cosas que sin duda no me parecen válidas como “atar a un perro para que se muera de hambre” para hablar del maltrato. La ética es fundamental no solo en el arte sino en todo el género humano.

-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?

He conocido artistas muy interesantes en Uruguay durante los dos años en que viví en Montevideo. Siento que a veces se mira demasiado fuera y que no se valora lo que uno tiene dentro.

Me encantan los artistas urbanos que van dejando grandes murales por la ciudad.

-¿Qué tan importante es que el artista genere su propio análisis escrito y reflexivos acerca del rol social, político, económico, ambiental e institucional del arte; promoviendo la crítica sobre su obra y el arte contemporáneo?

Es importante que el artista actúe en lo que pueda en su rol ciudadano para poner su granito de arena para cambiar las cosas. El arte es una manifestación del género humano y su estudio ayuda a entender la Historia de toda la Humanidad.

Por ejemplo, tras mi vuelta a Madrid el pasado mes de Julio, sentí la necesidad de realizar caricaturas políticas o dibujos que hablaban sobre la delicada situación política en España.

El arte es un medio de expresión y a veces algunos tenemos una mayor facilidad de expresar todo esto con un dibujo que con palabras.

-¿Cómo ves la crítica cultural en nuestro país y en América del Sur?

En primer lugar desde mi perspectiva se mira mucho fuera y se valora poco lo que uno tiene.

En Montevideo por ejemplo observo una enorme dejadez de los ciudadanos por valorar su Patrimonio Cultural. Se requieren enormes esfuerzos para la valoración y rehabilitación del Patrimonio Arquitectónico de la ciudad.

El Palacio Salvo es un símbolo de esta falta de interés. Siendo un equivalente a la Torre Eiffel en París como “símbolo” de la ciudad, se está permitiendo que se encuentre en un estado lamentable de conservación.

Para mí esta es una asignatura pendiente de los ciudadanos uruguayos. Siempre se habla de que en Uruguay no hay tanta Historia como en otras países y por esa razón deberían cuidar más su Patrimonio que otros.

Estuve trabajando en un proyecto para la valorización del Patrimonio Art Déco de la ciudad de Montevideo donde realicé las fotografías. Estoy seguro de que a la mayoría de los ciudadanos les pasan inadvertidos estas joyas que hay por la ciudad y hay que educar en la importancia de su conservación.

-¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos?, ¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?

Tengo que reconocer que me he movido mucho por libre y no he entrado mucho en el círculo de las galerías.

Uno de los grandes problemas que existen entre artista – público – galería es el elitismo. Nos olvidamos que el arte es un medio de expresión que debe tender a ser universal.

No obstante, creo que la relación de los galeristas es menos elitista en Uruguay que por ejemplo en España.

-¿Cuáles son tus referentes artísticos?

Me gusta empaparme mucho de los artistas de todos los tiempos, la tradición artística española también me ha influenciado mucho.

Pintores que me interesan mucho son Picasso, Cézanne, Goya, El Greco, el Bosco, Francis Bacon, Miquel Barceló…

En Uruguay quiero romper una lanza por José Gurvich, no tan conocido como Joaquín Torres García, pero con una obra realmente interesante y llena de ambigüedades.

-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo? ¿Generas vínculos con agentes culturales en el exterior para hacer circular tus obras?

Creo que internet es un buen medio para llegar a más lugares, así como a través de los contactos personales.

Ahora mismo tengo varias obras de mi serie “Máscaras” en la Embajada de Uruguay en China.

-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?

En los círculos por los que me moví conocí a gente muy interesada en el arte. El problema está en lo de siempre, que no llega a todos sino más bien a las élites culturales.

-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?

Es un medio válido aunque una foto pierde el encanto de ver de cerca la obra. Gracias a las redes uno puede tener mucha más información y conocimiento, aunque también puede quedar mas saturado.

-¿En qué proyectos trabajas actualmente?

En mi nueva etapa en Madrid estoy muy centrado en la Arquitectura y fotografía.

En mis últimos meses en Uruguay dibujé muchísimo en un taller con el artista uruguayo Catéter, experimentando nuevas técnicas mixtas.

ENLACES:

Web artística: www.luisquintanoarte.wix.com/arte

Fotografía: www.instagram.com/luisquintano

Porfolio arquitectura: www.behance.net/luisquintano