Osmar Santos nació en 1934. Es pintor, docente y fotógrafo de la ciudad de Rivera. Estudió en el IPA y en la Escuela Nacional de Bellas Artes a comienzos de la década de 1950. Su trayectoria se extiende por más de sesenta años continuados con el arte. Más de cuatrocientas exposiciones entre individuales y colectivas. Recibió más de un centenar de premios y distinciones.
Como gestor cultural en la frontera Rivera – Livramento ha sido creador de diversas instituciones artísticas, entre ellas en Museo Municipal de Artes Plásticas de Rivera por el que continúa trabajando desde que lo inició en el año 1958.
Es un referente indiscutible del arte plástico del norte del país, tiene sin duda mucho para aportar al debate de su disciplina, y es por eso que lo contactamos desde COOLTIVARTE para que se integre a Plásticos de esos que ves por ahí.
“Muchas veces he pensado, menos teoría y mayor práctica”
-¿Cuándo empezaste en el arte?
-Desde niño, aunque fue en el año 1949 cuando tenía 14 o 15 años que “encontré” la pintura. Tengo obras de esa época.
-¿Qué intentan exteriorizar tus obras? ¿Qué te interesa que generen en el espectador?
-Me interesa el ser humano en todo su contexto, especialmente metafísico, y eso exteriorizan. Respecto a qué genere en el espectador, la verdad verdadera es que nunca lo pienso. Pinto sin pensar en el exterior, me concentro en lo (casi) autobiográfico.
-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?,¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?
-Espontáneas muy pocas. Las pienso y razono mucho en términos plásticos antes de comenzarlas. El tiempo es variable, pueden ser horas o días y hasta semanas. Depende de la estructura de la obra, de su complejidad o no, del material elegido, etc.
-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?
-Normalmente trabajo en series. Parto de una unidad temática y la investigo y la transformo en cada obra. Pueden ser cinco, diez o muchas más. Alguna de las series sobrepasó los cuarenta trabajos.
-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más, y por qué las eliges para trabajar? ¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta trabajar?
-Pinceles, espátulas o cualquier otra herramienta que me permita crear los efectos que deseo. Materiales, óleo, acrílico (mucho), esmalte, cuarzo triturado y otros circunstanciales. Temáticas como lo dije más arriba, todas las relacionadas con el ser humano. Elijo los materiales que mejor me permitan expresar textualmente lo que estoy creando. Trabajo todo tipo de medidas, especialmente las universales, aunque me siento muy cómodo con el cuadrado. Principalmente tela, también duraboard y en los últimos años MDF. Aunque prefiero la tela.
-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
-Algunos privilegiados contados con los dedos de las manos lo han logrado. Los demás tenemos que valernos de un trabajo que muchas veces no tiene nada que ver con el arte, ni siquiera con la cultura en general.
¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
-No. Hay excelentes artistas en todas las disciplinas de las artes, pero una enorme mayoría que se basan en los trabajos de algunos de los auténticos. Lo que desde hace tiempo noto es que muchos jóvenes rechazan el dibujo como base fundamental. Y vemos obras muy llamativas pero sin estructura alguna. Se caen por su propia falta de consistencia. Si bien en nuestro país están surgiendo notables dibujantes, en general falta mayor énfasis en tal sentido en los centros de enseñanza. Muchas veces he pensado, menos teoría y mayor práctica.
-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?
-Uruguay se caracteriza por tener y haber tenido excelentes artistas de altísimo nivel internacional. Lamentablemente como país de tercer mundo poco han trascendido, a no ser Torres García, Figari, Barradas. Otros aunque trabajan y viven en el extranjero aún no son referentes a escala mundial.
-¿Qué tan importante es que el artista genere su propio análisis escrito y reflexivo acerca del rol social, político, económico, ambiental e institucional del arte; promoviendo la crítica sobre su obra y el arte contemporáneo?
-Sí, puede tener importancia si el artista está comprometido en esos aspectos y tiene fibra militante. Pero no lo creo fundamental. Creo sí en la absoluta y total libertad creativa. Todo lo demás será analizado algún día, si es que trasciende como artista.
-¿Cómo ves la crítica cultural en nuestro país y en América del Sur?
-Conozco la de Uruguay y parte de la de Brasil y Argentina. A veces siento que se inclina demasiado hacia las “vanguardias” que generalmente tienen origen en otras latitudes, con otras circunstancias vitales. Pregunto: ¿Por qué el arte también tiene que ser globalizado?
-¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos? ¿qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?
-Sinceramente pienso que se necesitaría que tener mayor vinculación con las galerías, aunque entre las pocas que hay no tienen la capacidad para absorber tantos artistas como los hay en nuestro país. Lo más complejo para la mayoría es vender lo que producen. Entiendo que nosotros somos artistas y no disponemos, en general, de las cualidades que se requiere para ser comerciante de artes. Existiendo profesionales que lo hacen, y que algunos de ellos se relacionan muy bien y venden mucho, eso le saca un peso de encima al artista. Entiendo a aquellos colegas que han logrado montar un andamiaje que les permite vender en su taller sin tener que pagar porcentajes por comisión. Ahora pienso, ¿hasta que punto eso es positivo? En las galerías las obras están a la vista de todo el público. En nuestros talleres no, a no ser para un reducido número de seguidores. Los museos, bueno, tienen sus reglamentos para entrada de obras. Hay museos que realizan exposiciones temporarias varias veces por año. Otros no. Tendría que existir más compenetración museo-artistas y artistas-museo.
-¿Cuáles son tus referentes artísticos?
-No sabría especificarlos. En más de sesenta años creando, al principio observé y analicé a determinados artistas nacionales e internacionales. Pero muy joven entendí que tendría que llegar a un lenguaje absolutamente propio, libre de contaminaciones. Creo que lo logré, aunque en determinadas ocasiones, tal vez más por curiosidad que por adhesión, he realizado alguna obra que se identifica con tal o cual momento de la plástica contemporánea. Y de inmediato retorno a lo personal, a esta exteriorización sensible de un mundo interior a través de las herramientas propias de la profesión.
-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo? ¿Generas vínculos con agentes culturales en el exterior para hacer circular tus obras?
– En general desde hace muchos años utilizo Internet, tanto a través de la página web que tengo y que ahora está siendo ampliada, como también con presentaciones en Power Point. En el exterior tengo algunos vínculos que reproducen las obras, entre los que cito a Ámsterdam Sur.
-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?
-Antes mucho más que ahora.
-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?
-Es un privilegio para los artistas tener la oportunidad de, a través de las redes sociales, difundir su obra.
-¿En qué proyectos trabajas actualmente?
-Continúo con las series, actualmente espaciales con acrílico sobre tela. Recientemente realicé una muestra en el centro Universitario de Rivera, y tengo otras en vista, acompañadas con audiovisuales.
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