El documental uruguayo “Las Flores de mi familia” fue premiado como la mejor película de la XVI edición del Festival Internacional de Documentales de Santiago (FIDOCS) realizado los últimos días de junio en Chile.
“Habitar los espacios de la intimidad y convertirlos en una historia de la cultura, la familia y el arte” fue el juicio del jurado que otorgó el premio al film realizado por Juan Ignacio Fernández.
Según nos cuenta Fernández,”Las Flores de mi familia” pasó por diferentes etapas antes de llegar a este destacado momento. Desde un ejercicio de “filmar por filmar”, pasó a ser un proyecto ganador del FONA (Fondo para el Fomento y Desarrollo de la Producción Audiovisual Nacional), y hasta estancó al realizador en una parálisis creativa de tres meses, para finalmente lograr que las extenuantes 260 horas grabadas culminaran en lo que hoy es la obra.
Esta última edición del festival FIDOCS tuvo en cartelera setenta cintas, contando con la presencia de invitados internacionales, como el cineasta australiano David Bradbury, lo que da cuenta de la valía del premio. Sobre este galardón y cuestiones que atañen a la producción cinematográfica nacional es que nos cuenta detenidamente el director de Las Flores de mi familia, Juan Ignacio Fernández.
“La película tiene como protagonistas a mi abuela y a mi madre, en una historia por demás íntima, delicada, alojada en el corazón de una casa y principalmente en el de sus protagonistas. Lo familiar se deduce de esto último también, es una historia sobre una familia”
-¿Qué significado tiene para ustedes el galardón obtenido por “Las flores de mi familia” en el Festival de Documentales de Santiago de Chile?
-Es una de las sorpresas más hermosas que nos ha regalado esta película. Los premios sirven para avanzar, primero para poder filmar la película, y una vez terminada para alcanzar una mayor difusión, reconocimiento y a veces dinero. Este es el costado utilitario del asunto, y es vital para fortalecer una película, posicionarla internacionalmente, y paradójicamente –y no tanto a esta altura- tener argumentos para convencer a los distribuidores y exhibidores locales, de que vale la pena hacer un estreno comercial.
Pero el verdadero premio, o prefiero incluso hablar de regalo, es conocer otro país, caminar por calles ocultas, ser extranjero por un tiempo, sentarse en el cine con completos desconocidos que al final de la función, luego del baño emocional de la película, terminan devolviendo amor y gratitud, por algo de lo que uno es responsable en parte, pero que también es un regalo.
Porque la película es el primer regalo que uno recibe, todo lo que viene después termina convirtiéndose en una especie de Navidad donde van apareciendo parientes y amigos que uno nunca había visto, y que sin embargo cada uno trae algo hermoso en sus manos.
-“Habitar los espacios de la intimidad y convertirlos en una historia de la Cultura, la familia y el arte”, ha sido el veredicto del jurado ¿podrías desarrollarnos ese juicio pero según su opinión de la película?
-El jurado fue generoso con este veredicto, y entre tanta emoción no me había detenido aún a pensar en su significado. Habitar los espacios de la intimidad no requiere mayor explicación. La película tiene como protagonistas a mi abuela y a mi madre, en una historia por demás íntima, delicada, alojada en el corazón de una casa y principalmente en el de sus protagonistas. Lo familiar se deduce de esto último también, es una historia sobre una familia.
Ahora bien, lo de la cultura y el arte, creo que es una observación aguda del jurado, en una lectura segunda de la película. Si la película reflexiona sobre la cultura (por supuesto que nada de esto nació de un plan consciente del estilo “en esta secuencia voy a reflexionar sobre la cultura”) creo que lo hace especialmente a través del personaje de mi abuela. Con sus 90 años (edad que tiene en la película, ahora 94) mi abuela aparece como una suerte de último sobreviviente de una especie casi en extinción. Ella practica una especie de panteísmo, o diciéndolo de una forma sencilla: es capaz de ver el milagro y el enigma de la existencia tanto en una paloma que atribuye a una señal del espíritu santo, a unas flores de “pensamientos” o “alegrías” que el viento agita sin piedad, e incluso en las grúas gigantescas del puerto, que día y noche se mueven sigilosamente. Dónde nosotros vemos grúas, mi abuela ve gigantes.
No sé como nos tocará envejecer a nosotros, pero acaso haya algo de estos viejos que nacieron a principios del siglo XX, que se pierda para siempre. Ni para bien ni para mal, solo sucederá. Mientras escribo esto me viene con fuerza la imagen final de BladeRunner. El último de los Replicantes, ya moribundo, dice sus palabras finales, bajo una lluvia copiosa. Espero que recuerden la escena. La traducción exacta es imposible, me limito a lo esencial. “He visto cosas que ustedes, los humanos, no pueden ni siquiera imaginar…naves en llamas alrededor de Orión, rayos C más allá de la galaxia…” y podría seguir hablando de supernovas explotando, o el violeta cósmico de los anillos de Saturno. Al final remata con “Todos estos recuerdos, se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia”. Dicho esto, una paloma blanca sale volando y el Replicante muere.
Hay algo profundamente emocionante para mi en el testimonio final de un mundo único que se muere, llamémosle cultura, o simplemente un punto de vista. Cuando muere alguien, parte del mundo muere con él. Creo que ese fue uno de los motores para filmar la película. Dejar registro del violeta cósmico que mi abuela logró ver más allá de los anillos de Saturno.
¿Por qué el arte? Nuevamente debo remitirme a mi abuela, la gran estrella. Hay dos momentos de la película en que mi abuela reflexiona sobre el hecho de estar filmando la película. En uno crucial, llega a reflexionar sobre los posibles finales que podría haber tenido la historia, y como cada uno de ellos le hubiera dado un giro distinto a la película. Prefiero no detallar esto, dado que es uno de los momentos más lindos del film. Basta con decir que durante un año y medio de rodaje, mi abuela terminó incorporando el hecho de filmar, de entender el cine como un “espejo para representar la vida”. Comprendió que la vida real se estaba transformando en un relato “artístico”, que la realidad se transformaba en ficción y todos los viceversas posibles. Tal vez el jurado se refería a esto, no lo sé.
-¿Cuál fue el obstáculo más grande que tuviste a la hora de producir/rodar la película, sin tener en cuenta el lazo afectivo hacia tu familia?
-Esta película nació antes de ser una película, en ley, con fondos, con equipo, y con la más o menos obligación de llevarla hasta el final. Empezó siendo un “filmar por filmar”. Cuando gané el FONA, y la cosa se oficializó, estuve unos tres meses inmovilizado, siendo incapaz de aceptar que ahora realmente iba a hacer una película con mi familia. Me sumió en un gran conflicto ético. El único modo de superarlo fue filmar la película hasta sus últimas consecuencias, comprendiendo en el camino, que mi manera de ayudar en la crisis de separación que vivía mi madre y mi abuela, era estar allí con una cámara, con la misión de ser ese “espejo”, que un día, si Dios me daba la fuerza, pudiera transformarse en una película que ambas pudieran ver en el cine, y que entre risas y alguna lágrima, y seguramente sin mediar palabra, pudieran perdonarse, y seguir.
En el rodaje esto se tradujo en la dificultad para mantener una puesta en escena de ficción, donde la presencia de la cámara debía ser invisible. Yo quería escenas, no reportajes. Quería que la película luciera como una ficción, y de hecho varias veces me preguntaron si los diálogos estaban escritos o las acciones armadas. Mi respuesta siempre es la misma “sería incapaz de escribir tan buenos diálogos y menos de dirigir actores con tanta naturalidad”. Preservar esa forma, me obligaba a filmar a una distancia prudencial, física y emocional. Debía mantener el control de lo técnico, en situaciones donde lo más natural era que dejara la cámara a un lado, entrara en cuadro para intervenir en las discusiones o dar una palabra de aliento. Aprendí a hacerlo desde el silencio, desde la paciencia de la cámara, que nada pregunta y que nada juzga. Cuando no podía controlarme, entraba en la escena, pero me mantenía a un lado, fuera de cuadro, sabiendo que dentro de cuadro era más nieto e hijo que director, pero al menos había dejado todo lo demás andando, rodando, más exactamente.
Las exigencias técnicas del rodaje debí resolverlas solo. Por una parte fue una ventaja, porque eso me permitió proteger esa intimidad que me permitía acceder a un material valiosísimo, cosa que no hubiese logrado con un crew por más mínimo que fuera. Pero al mismo tiempo fue una carga muy pesada, en términos físicos. Cargar la cámara, el trípode, el sonido de un lado para otro, siempre corriendo detrás de la vida, que nunca avisa si va a darnos una toma irrepetible, o 2 meses después, nos dará la gracia de tener una segunda, ahora sí, cuando fuimos capaces de colocar la cámara en el lugar adecuado, ningún camión arruinó el sonido, y encima un rayo de sol se colaba por la ventana. Viví con esa adrenalina, con la obsesión de esperar que la realidad se comportara de un modo muy especial. Yo lo resumía durante el rodaje así: “hoy filmé una escena que parece una película”. Bueno, necesité un año y medio y 260 horas de material para que esas escenas de “película”, fueran apareciendo y yo estuviese en mi puesto, listo para registrarlas. Fue extenuante, casi aniquilante.
-¿Qué materiales se utilizaron para trabajar en todo el proceso (cámaras, software de edición, etc.)?
-Trabajé con una cámara PANASONIC P-200, un micrófono SANKEN, que se monta a la cámara, y un inalámbrico que no lo usaba en las personas, sino que lo escondía en la escena, para captar un sonido general.
El programa de edición es el FINAL CUT PRO.
-El género documental se encuentra desde hace un tiempo en pleno desarrollo en Uruguay ¿Cuál es tu opinión sobre la evolución del mismo?
-Hay cada vez más películas documentales. Los temas se han ampliado. Ya no son casi exclusivamente sobre la dictadura y temas relacionados a ella. También se han ampliado los recursos formales, los estilos. Creo que siguen primando los documentales de “tema”, cuando considero que un documental, al igual que una ficción, debe asentarse en una historia, personajes, y un punto de vista, y no en un tema, como si habláramos de una nota periodística. ¿Cuál es el tema del día? No, los temas siempre están, y emergen solos, cuando tenemos una historia bien contada. Me cuesta concebir que alguien haga una película porque le interesa un tema. Incluso que haga una película porque le “interesa” algo. Creo que el único motor para atravesar el proceso tan largo y extenuante de hacer una película, solo puede ser el amor, o algo parecido al amor. Como dije al principio, cuando hablé del “regalo” que es poder terminar una película, creo que en este caso se aplica esa misma lógica. Como si la película llevara una firma al final de los créditos: “Para fulanita o fulanito, con amor”. No me refiero a dedicatorias, aclaro, hablo de esa cosa vital, que sino es arrancada de las entrañas y colocada en una película (o novela, cuadro, canción, etc) nos impide vivir tranquilamente. Nos sentimos en deuda.
-Visto que la ficción ha ido incorporando elementos del documental teniendo más éxitos que fracasos en ello, ¿consideras que el camino puede también ser a la inversa? ¿puede el género incorporar elementos de la ficción? ¿Cuáles serían?
-Sí, el género documental hace mucho tiempo que incorpora elementos de la ficción. Desde sus comienzos fue un modo de hacer ficción con la realidad. Ya Flaherty, daba indicaciones a sus “actores” en Nanook, el esquimal.
Me gusta hablar de relatos, más que de ficciones, documentales, o novelas y autobiografías, por poner un ejemplo de la literatura.
El documental toma estructuras de la ficción a la hora de desarrollar una historia de un modo clásico (presentar personajes, conflicto, desarrollo, nudo, etc), como también hecha mano a la puesta en escena. Recomiendo ver los films de UlrichSeidl, un maestro de la puesta en escena puntillosamente ficcional a la hora de filmar un documental. Este pasaje de recursos ha ocurrido siempre, no es algo nuevo, aunque cierta vertiente del documental, llamada “documental de creación” ha hecho de estos cruces entre el documental y la ficción, una especie de bandera de sus propuestas estéticas. Se puede decir que la ficción reconstruye una realidad y el documental la reordena, ambas con el fin de crear un relato.
Para mi funciona una película cuando logra imprimirle a lo real la fuerza de la verdad; una fuerza que cada día se desinfla bajo el peso de la costumbre. Nos acostumbramos a vivir, a mirar, a dar por hecho que un árbol es una cosa común y corriente. El cine, y el arte en general, cuando es bueno, nos sacude de arriba abajo, para que luego salgamos a la calle, y nos detengamos frente a un árbol como si fuera la primera vez.
-¿Cuál es tu opinión del trabajo del documentalista Patricio Guzmán quien fue el que fundó este Festival FIDOCS?, y ¿cuáles son sus referentes a nivel de dirección y realización cinematográfica?
-De Patricio Guzmán vi solo una película, Nostalgia de la Luz, y me pareció formidable.
Mis referentes son Andrei Tarkovski, porque su cine es el más religioso, no en el sentido de la doctrina, sino en la capacidad de revelar la dimensión trascendente de todas las cosas. Cualquiera de sus películas son imprescindibles. “Solaris” me marcó especialmente.
También Werner Herzog, porque está sanamente (a veces) loco, y eso le permite vivir y filmar con una fuerza y arrojo descomunales. Recomiendo ver “La Soufriere” para entender este punto. Herzog es un hombre que se arriesga a visitar una isla con un volcán en erupción que amenaza con explotar con la fuerza de seis bombas atómicas, solo para filmar la historia de un isleño que se niega a abandonar el lugar, dado que si la “voluntad de Dios es que el muera así, él no pretende eludir eso”. De eso se trata.
También está Kiarostami, y ahí si su auténtico juego entre la realidad y la ficción, nunca un juego intelectual para él, sino siempre al servicio de la historia y la emoción. “Primer plano” y “A través de los olivos” son buenos ejemplos de ello.
-¿Cómo crees que están considerados el documental y los documentalistas uruguayos a nivel internacional?
-Cada vez mejor. Al igual que en la ficción, cada vez las películas llegan a más festivales y cosechan premios.
-¿Se está en condiciones de competir en cuanto a nivel?
-Sí. No confundir nivel con “productionvalues” como dicen los americanos. Intentar tener el nivel de producción de un documental americano, no solo no tiene sentido desde el punto de vista económico, sino sobre todo, en el estético. A menudo olvidamos que el estilo de una película (o si se me permite aventurar de la cinematografía de un país, aunque eso es algo muy general y cuestionable de que ya se haya conformado aquí, o si todavía estamos ante un ramillete de películas) Decía, el estilo de una película está íntimamente vinculado con las condiciones de producción en las que se realiza. Intentar eludir eso guiados por en qué “nivel estamos en comparación con x”, es peligroso.
-¿Qué es lo que falta para mejorar la producción de documentales en el país?
-Creo que los fondos están, siempre se precisa más, para poder producir más y mejores películas, pero estamos mejor. Los técnicos están. Falta (al igual que en ficción) un verdadero festival nacional, que sea un polo de atracción de todo el cine mundial, que podamos tener una verdadera competencia nacional, que realmente sea una plataforma de salida para las películas nacionales. Estar más insertos en el mundo, en fin, un viejo problema de estos lares. Lo poco que me ha permitido viajar la película, tanto en Buenos Aires, Chile, Cuba, he visto una efervescencia en torno a los festivales, a las películas de sus países y las extranjeras; he vivido la alegría de conocer a realizadores de todo el mundo, trabajando por las mismas cosas que nosotros, compartiendo experiencias. El DocMontevideo es un referente en ese sentido. Falta mucho más de eso. El Uruguay tiene que ser un lugar de referencia del cine latinoamericano. Hemos ganado un lugar en los festivales, podemos hablar de una embajada itinerante de realizadores y películas que viajan por el mundo. Nosotros estamos yendo al mundo. Falta que el mundo quiera venir a nosotros. Un buen festival, con una buena industria y mercado, dinamizaría la producción, no solo desde un punto de vista puramente económico, sino en el cruce de modos de hacer.
-¿El premio será destinado a la concreción de algún otro proyecto que tengas en carpeta?
-Por ahora no. Está destinado a pagar varias cosas que entran dentro del casillero “finalizar una película y llevarla hasta las orillas del estreno”. En eso estamos.
Imagen portada: Juan Ignacio Fernández - Foto: http://www.paraver.com.uy
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