Este jueves 11-7-19 tuvo lugar en Estudio Ceriani, Charrúa 2576, la muestra Zip arte para expandir de lxs artistas: Laura Becerra, Santiago Martins, A. Damian Tost, Mariana Beceiro, Sebastián Blanco y Anaís Vaillant; con el apoyo de Taller Sáez y DADA.
“Vivimos en un mundo comprimido, un mundo sin tiempo y sin espacio para reflexionar, para encontrarnos. En este mundo vertiginoso el arte nos interpela y nos sorprende, invitándonos a contemplar y a completar en nuestro interior la obra que el artista dejó en nuestro camino. En la muestra ZIP: Arte para expandir, seis artistas contemporáneos jóvenes comparten sus obras y sus procesos creativos comprimidos en formato de cuadros o esculturas, esperando a ser descubiertos por todos los que decidan dedicar unos minutos a observarlos”
Aprovechamos la ocasión para conversar con lxs artistas.
Anaís Vaillant
Utilizo el retrato como discurso acerca de la identidad del sujeto y la búsqueda de individualidad en un mundo contemporáneo. La figura humana aparece como sustitución de una ausencia, como tensión entre lo visible y lo invisible, entre el ser y el parecer, entre lo inmortal y lo efímero.
En mi obra no hay una réplica exacta sino más bien una simulación, una construcción subjetiva que hago del otro, donde no solamente entra en juego la observación y percepción propia sino también de quien observa. Es así que el espectador se convierte en parte del obra, completándola a través de su mirada.
La pintura se transforma en un lenguaje, en un diálogo que se entabla entre artista y espectador y que escapa de las dogmáticas limitaciones de la lengua para develar las emociones más profundas.
“Metonimia” son una serie de obras realizadas durante los años 2018/2019. Algunas de las personas retratadas son de mi círculo cercano, otras son completos desconocidos. En ambos casos, la pintura aparece como construcción ilusoria del sujeto, a veces influenciada por el vínculo real y otras veces mediante una suerte de empatía que construyó con desconocidos.
Sebastián Blanco
Obra: “Autorretrato de mi sombra”
Según Gustav Jung, la sombra está constituida por el conjunto de frustraciones, experiencias vergonzosas, dolorosas, temores, inseguridades, rencor y agresividad, que se alojan en el inconsciente del ser humano. En la medida que aceptemos nuestra sombra, y las incorporemos, lograremos completarnos como seres humanos.
Autorretrato de mi sombra, es una mirada al niño que fui, en busca del origen de mi sombra. Un ejercicio de rescate desde el adulto que se anima a mirar y sobre todo que se está preparado para aceptar.
Laura Becerra
Montevideo, Uruguay
Nace en Treinta y Tres en 1986. Es artista visual y docente de Comunicación Visual, egresada del Instituto de Profesores Artigas (I.P.A). Entre el 2005 y 2012 cursó la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales – Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes en los talleres de Anhelo Hernández y Carlos Musso. En 2017 y 2018 integró el colectivo de artistas MAMBO. Desde 2015 asiste al taller de Sebastian Sáez. Ilustra para la revista digital Hemisferio Izquierdo.
En 2017 realiza su primer muestra individual “Invisibles” en el Museo de la Memoria de Montevideo. Desde 2009 ha participado en diversas exposiciones colectivas; “Vaivenarte. Artistas por la diversidad”, Cabildo de Montevideo, “Muestra sobre la diversidad”, Ministerio de Turismo, “Solsticio de invierno”, Museo del Azulejo, “Arte en demolición I y II”, “Cambalache”, Casa de la Cultura del Prado, “MAMBO 3”, Cuarto Tavella, “Vértice”, Estudio Ceriani.
“Mi trabajo gira en torno al ser humano y la sociedad contemporánea. La representación, la relación y transformación del cuerpo y los estereotipos sociales. La cotidianeidad, el paso del tiempo a través del cuerpo y los cuerpos invisibilizados.
Me gusta fluctuar entre distintos medios (collage, pintura, dibujo, instalación) porque me permite tener mayor libertad a la hora de pensar y transmitir una idea en la obra.”
Santiago Martins
Montevideo, Uruguay
Recuerdo png
La cosa consumada. El fin del credo al dios de la técnica, tirano innombrable de las eras.
Si Dios ha muerto, ¿no lo hará la técnica?
Mariana Beceiro
Montevideo, Uruguay
La obra surge a partir de fotografías que pertenecieron a mi abuelo, que las guardó y atesoró como objeto afectivo, objeto-memoria que adquirió de su padre. Memoria hecha objeto, imagen, materia. Elijo estas fotos para reconstruir el afecto perdido a través de la descomposición del registro fotográfico, las hago mías y las resignifico.
Proyecto y transfiero la imagen al papel. La imagen se fracciona en formas irregulares que se asemejan entre sí. Tengo que rellenar fragmentos para dar un nuevo sentido a ese objeto, construir y reconstruir, recordar, preservar ¿imaginar? a esa persona que ya no está. La persona aparece y desaparece, se transforma, se idealiza. Deja espacios vacíos. La memoria aparece como una obra incompleta, imposible de completar. Un proceso que no termina porque nos transciende. Se proyecta hacia atrás y hacia adelante, aunque aparenta estar quieta.
El papel craft alude al mismo juego: algo hay antes, una historia entramada que se deja ver entre líneas, por detrás de la que aparece en primer plano. Porque el papel nunca está en blanco. Las historias de los otros están ahí: son el soporte donde es posible pintar la propia historia.
Tomo de las fotografías los tonos y contrastes claro/oscuro, pero no me preocupa que la obra se parezca a ellas, elijo los colores intuitivamente, busco experimentar y revivir a ese ser que ya no está. Entre mi abuelo y el olvido, esta obra, una forma de celebrar su vida y de extenderla.
Andres Damian Tost
Montevideo, Uruguay
Naturaleza domada
La obra parte del concepto servil de la naturaleza y “lo natural”. Siempre vamos a elegir el árbol verdadero sobre el árbol de plástico, pero a su vez vamos a podar el árbol verdadero hasta que sea igual al de plástico. La naturaleza y “lo natural” están ahí para servirnos, tienen un sentido funcional y no son válidos en sí mismos. Vivimos con la contradicción del amor a la naturaleza y lo natural, y la necesidad de controlarla hasta que alcance un punto servil a nuestros objetivos, de adaptarla a la funcionalidad.
La “naturaleza domada” es además el autorretrato de un proceso. ¿Se puede obtener una naturaleza funcional? ¿La naturaleza del ser es un objetivo en sí mismo? ¿En el proceso de controlarla comprometemos su propia existencia?
El control es una herramienta, cumple objetivos, promueve la adaptación a una trama compleja en la que cada componente encaja perfectamente con el de al lado, al igual que un bloque en un edificio o un píxel en una foto. De acuerdo a Thoreau, “la verdadera jungla no está fuera, quién sabe dónde, sino (…) en aquella compleja telaraña en que hemos transformado la vida, y que sólo sirve para limitar, estorbar o inhibir a los espíritus libres”. El proceso de controlar a la naturaleza propia va más allá del posthumanismo de Sloterdijk, llega más profundamente al espíritu, hasta el punto en el que no podemos distinguir qué es lo natural y qué es lo impuesto.
La obra interpela al artista y al observador, en un proceso de búsqueda en el que tal vez por un segundo encontremos a la naturaleza y al ser en el mismo lugar.
ziparte.tumblr.com (imágenes cedidas por el colectivo de artistas)
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