THE KING IS DEAD LONG LIVE THE QUEEN

El Museo Frieder Burda realiza muestras temporales.

Actualmente se está llevando a cabo la muestra colectiva “The King Is Dead. Long Live the Queen”, ( el rey ha muerto, viva la reina) curada por Udo Kittelmann ( Düsseldorf, 1958), director artístico del museo.

A los efectos de considerar la relevancia de esta exposición cabe decir que Kittelmann dirigió la Nationalgalerie de Berlín, Staatliche Museen zu Berlin entre 2008 y 2020.

En 2001 fue comisario del Pabellón Alemán en la Bienal de Venecia y fue comisario de la exposición individual de Gregor Schneider “ Totes Haus u r”, que obtuvo el León de Oro a la Mejor Participación Nacional, a los solos efectos de enumerar algunos méritos suyos.

Esta exposición homenajea y continúa con la propuesta llevada a cabo oportunamente por Peggy Guggenheim (1898-1979), quien asesorada por su amigo Marcel Duchamp (1887-1968) realizó hace 80 años una muestra de 31 artistas mujeres.

Titulada “Exhibition by 31 Women”, fue un ejemplo temprano de una muestra con mujeres artistas en su visionaria galería Art of This Century en Nueva York.

Las coordenadas de ambas muestras están pautadas por el ajedrez, juego de mesa al cual Duchamp le dedicaba gran parte de su tiempo y que aplicaba a la hora de meditar antes de llevar a cabo alguna decisión.

En las reglas del ajedrez la reina es la pieza más poderosa en el tablero, mientras que el rey tiene un radio de acción limitado y depende de las otras figuras para su protección y bajo esa misma premisa, ambas muestras fueron diseñadas.

La selección de las 31 mujeres de diferentes generaciones e influencias culturales, es diversa y las artistas provienen de distintas nacionalidades.

Existe una variedad de soportes reuniendo obras de diversas disciplinas, incluyendo pintura, escultura, fotografía, cine, sonido e instalación específica del sitio, que irrumpe y sorprende al espectador que al principio no capta el origen de las voces.

La propuesta apela a desmitificar ciertos conceptos que han regido erróneamente a nuestras sociedades y estas obras nos propician un espacio para reflexionar sobre las transformaciones estéticas, políticas y sociales de nuestro pasado y presente reciente.

El ejemplo más claro y contundente se aprecia en la obra de la chilena *Patricia Waller (Santiago,1962), quien presenta a Superman incrustado en la pared.

La artista evoca de esta forma el modismo alemán de “meter la cabeza a través de la pared”, el cual se usa para describir a las personas que se manifiestan sin tener en cuenta a los demás.

Para Waller no hay una imagen más patética de la masculinidad cliché, que la expresada en la queja “¡Los hombres siempre quieren meter la cabeza a través de la pared!”, refiriéndose a aquellos hombres obstinados que harán todo lo posible para imponer su voluntad y seguir intentándolo hasta que se vean obligados a rendirse frente a la impotencia del caso.

La artista considera que esa es una de las razones por las cuales a los hombres les gusta ver películas de acción donde esos héroes logran lo que no pueden hacer ellos mismos en su vida.

El Superman de Patricia Waller ni siquiera logró atravesar la pared, sino que se quedó atascado.

Esto denota que los hombres más que ser de acero como se las creen, son un “ganchillo suave para ser usado con las lanas”.

*Rosa Barba presenta “Western Round Table”, 2007 donde dos proyectores confrontados proyectan la silueta del proyector opuesto en la pared de la galería. La escena hace alusión a un encuentro que tuvo lugar en 1949 entre los representantes más importantes en los campos del arte, la literatura, la crítica, la música, la ciencia, la filosofía y la arquitectura.

La mexicana *Beatriz Morales expone un largo penacho multicolor que cuelga desde el techo hasta el piso.
Zarcillo, 2023 fue realizado durante la producción de la muestra.

Está realizado con fibras de agave, un material autóctono de una zona de México el cual no ha podido ser trasplantado a otros lugares del mundo.

Dicha fibra sumamente resistente, era un recurso muy importante para la región que le generó un amplio monopolio al país durante siglos, hasta que en el siglo XX fue sustituido por fibras sintéticas, algo similar a lo ocurrido con la resina natural de Minas Gerais.

Morales se especializa en el uso del color.

En esta oportunidad tiñe las fibras para lograr una similitud con la sangre azul coagulada, fluyendo en puntas rojas, naranjas y amarillas parecidas a flores, que se asemejan a pinceladas tridimensionales que flotan en el espacio.

Para lograr la diversidad de colores utiliza utiliza tintas logradas a base de plantas que se producen de acuerdo con los métodos tradicionales que llevaban a cabo exclusivamente las mujeres, actividades que también ha sucumbido frente a las industrias.

*Ceal Floyer interviene las fachadas vidriadas del museo.

Para llevar a cabo su obra “Warning Birds”, del 2002, la artista aplicó innumerables pegatinas de siluetas de pájaros negros en las grandes ventanales.

Las imágenes aluden a la película.

Los pájaros de Alfred Hitchcock (1899-1980) contribuyendo a nuestra sensación de peligro inminente generando un ámbito de inestabilidad protectora para los espectadores.

A su vez, la artista previene a las aves que sobrevuelan en el parque para evitar que se golpeen contra los amplios ventanales.

Ceal Floyer es una observadora aguda que utiliza objetos e imágenes cotidianos, a menudo pasados por alto, en su trabajo para permitir a los visitantes experimentar momentos irritantes, absurdos y humorísticos. Ella agudiza nuestra conciencia a través de sus sorprendentes intervenciones.

*Sara Nabil (Kabul, 1994), presenta un panel con fotografías de mujeres veladas denominado “Power” realizado entre 2014 y 2022.

La artista hace alusión de esta forma a una de tantos tipos de opresión que condicionan la libertad de las mujeres es Afganistán, en este caso donde ni siquiera tiene derecho de escoger su vestimenta.

Las mujeres educadas que son independientes de sus esposos, padres o hermanos representan una amenaza para el sistema patriarcal en estas sociedades, ya que resisten a la opresión cada vez más en una sociedad así.

A través de esta obra Nabil protesta contra los velos integrales como un medio de opresión que está siendo utilizado por los talibanes fundamentalistas que “Limita a las mujeres y niñas en su autodeterminación y en su libertad de expresión, ¡y estoy a favor de la libertad y la autodeterminación de las mujeres!”

Otra artista a destacar es *Karin Sander quien trabaja con productos naturales como frutas y verduras.

Presenta la serie Kitchen Pieces, 2012 Frutas, verduras, clavos de acero inoxidable.

Para ello la artista colgó a modo de obras de arte, frutas y verduras frescas en la pared con clavos de acero inoxidable confrontando el ámbito donde se produce la comida con una sala de exhibición de obras de arte.

No es la primera ve que un artista trabaja con objetos d esta naturaleza . Ya lo había hecho Joseph Beuys (Capri Battery, 1985) y hace poco Mauricio Cattelan pegó su banana en una feria de arte en Miami.

Karin Sander es una artista conceptualista y minimalista que se manifiesta a través intervenciones mínimas en objetos cotidianos generándoles una nueva visibilidad y valor al cambiar su contexto.

Dieter Roth (1930-1989) fue el artista que introdujo la podredumbre y la descomposición del material orgánico en un entorno museístico

Al igual que Roth, Sander celebra el raro placer de cambiar colores y aromas.

Asimismo la artista presenta un proceso artístico de la creación, sin hacer prácticamente nada. Propone la idea y deja que los elementos del ambiente actúen y creen la obra.

Estos son algunos ejemplos de las 31 obras escogidas para nuestro análisis que denotan el perfil de la muestra.

Otros aspecto no menor es que hoy día es necesario y vital leer los textos para la interpretación cabal de las obras de arte contemporáneo.

En mi caso, primero dejo que mi sensibilidad me insiste a buscar la información necesaria.