<\/p>\n
Vivimos tiempos extra\u00f1os. La pandemia nos tom\u00f3 a tres cuartos de camino de un proceso de tontificaci\u00f3n del mundo basado fundamentalmente en la supremac\u00eda ontol\u00f3gica de la indignaci\u00f3n y la denuncia, la sobresimplificaci\u00f3n y los gestos exagerados. Habitamos una sociedad de la cancelaci\u00f3n, una versi\u00f3n woke de la cultura que se pelea con estatuas, con libros, con obras, con autores.<\/p>\n
Que en este marco que alguien celebre la uni\u00f3n de dos culturas es un acto de una nobleza y de una incorrecci\u00f3n pol\u00edtica conmovedora que hay que agradecer y destacar con entusiasmo.<\/p>\n
De eso se trata Tesoros de Am\u00e9rica<\/strong>, una exposici\u00f3n pensada y realizada para celebrar los 500 a\u00f1os del descubrimiento del estrecho de Magallanes y para honrar las posibilidades abiertas por ese suceso.<\/p>\n El encuentro cultural derivado de la traves\u00eda es mucho m\u00e1s que eso: es un hecho civilizatorio, que aumenta las posibilidades de mezclar experiencias, de abrir miradas nuevas y de colaborar en la creaci\u00f3n.<\/p>\n La muestra, inaugurada el 18 de mayo en forma virtual, est\u00e1 ambientada en los salones de la Fundaci\u00f3n Luis I de Cascais<\/strong>, en la gran Lisboa, en Portugal. Curada por Ernesto Mu\u00f1oz<\/strong> y Luis Manuel Pereira<\/strong>, re\u00fane obras de 29 artistas chilenos que reflexionaron sobre el tema central de la exposici\u00f3n estableciendo un di\u00e1logo diverso en matices y soportes, donde la contemporaneidad se expresa sin dejar de lado lo conceptual y lo investigativo.<\/p>\n Desde el mes de julio, y de la mano de su directora Cecilia Cavanagh<\/strong>, esta interesante muestra puede verse desde el Pabell\u00f3n de las Artes de la Universidad Cat\u00f3lica Argentina<\/strong>.<\/p>\n El paseante virtual va a encontrarse con una interface muy rica y sumamente sencilla. La plataforma permite variar el \u00e1ngulo de visi\u00f3n lo suficiente como para tener un panorama muy amplio de las distintas obras, pero adem\u00e1s cuenta con mucha informaci\u00f3n adicional. Al costado de cada trabajo hay un \u00edcono de informaci\u00f3n que lleva a una fotograf\u00eda en alta calidad de la obra, a los detalles t\u00e9cnicos y, adem\u00e1s, a un breve video del artista explicando su proceso creativo.<\/p>\n Haciendo click en la vista 3 del men\u00fa que se despliega en el margen superior derecho el visitante se coloca frente a una de las obras m\u00e1s impactantes de la muestra. Se trata de Barrio Franklin, una obra de gran tama\u00f1o, realizada en 2015, donde Angela Wilson<\/strong> recrea una atm\u00f3sfera sensible, hist\u00f3rica y estetizada de la experiencia vital de un barrio de Santiago de Chile. Usando material trasl\u00facido, la artista mezcla impresiones de distinto tipo, fotogr\u00e1ficas, de tinturas, y hasta tierra del piso y de las paredes de una antigua f\u00e1brica de vidrios del barrio. En la obra se ven adultos trabajadores, pero tambi\u00e9n se ven ni\u00f1os, haciendo el mismo trabajo que sus mayores. La obra crea un clima de mucha complejidad, apoyado fundamentalmente en la veladura que generan los pa\u00f1os de crinolina transparente por el que se dejan ver y se enhebran historias, biograf\u00edas y vivencias sociales. Las tintas chinas, los chorreos de esmalte, la suciedad de la tela y los dejos fotogr\u00e1ficos logran armar un gui\u00f3n en el que Wilson atrapa con singular belleza un momento de necesidades sociales muy fuertes. Es una obra de gran politicidad que viene desde el pasado para instalarse en el presente, usando a los ni\u00f1os cristaleros como un puente cr\u00edtico hacia el proceso de gentrificaci\u00f3n que ha llevado al barrio a ser un espacio de emprendedores, dise\u00f1adores y de turismo cultural. Barrio Franklin es una obra que usa la memoria sin recostarse en su costado sacrificial y sin desmerecer su rol en el reconocimiento del presente. Se muestra, as\u00ed, coherente con el objetivo de la muestra, poniendo en discusi\u00f3n franca las tensiones de la construcci\u00f3n cultural.<\/p>\n En otra de las salas, la 7 en este caso, se destaca la pintura de t\u00edtulo Landscape IV de Hern\u00e1n Gana<\/strong>. Se trata de otra obra de gran tama\u00f1o, un lienzo de dos metros por uno y medio, trabajado con \u00f3leo y pintura en spray. Este trabajo forma parte de la serie \u201cIt\u2019s Not my fault\u201d (no es mi culpa), en la que Gana intenta establecer una relaci\u00f3n cr\u00edtica frente al discurso individual que se desresponsabiliza de los desastres ambientales, trasladando toda la carga a las empresas y multinacionales. El cuerpo de obra de este artista entra\u00f1a toda una exploraci\u00f3n del concepto y del alcance est\u00e9tico del paisaje como medio comunicativo. Esta b\u00fasqueda de los paisajes contempor\u00e1neos lo llev\u00f3, en sus propias palabras, a encontrar cierta belleza en las cat\u00e1strofes naturales. Es muy interesante como Gana reubica el potencial de los elementos naturales trastoc\u00e1ndolos hasta convertirlos en objeto de incertidumbre y calamidades. El agua -elemento vital y sustantivo- se vuelve un veh\u00edculo de dolor y destrucci\u00f3n, llev\u00e1ndose todo a su paso. En este paisaje, el agua destruy\u00f3 una casa, apil\u00f3 dos autom\u00f3viles e hizo que todo se volviera inservible. El trato realista de la pintura de Gana genera una doble sensaci\u00f3n de proximidad y alejamiento, lo que se enfatiza con unos chorreados de pintura y con unos puntos coloridos, muy baldessarianos, que llevan la mirada del espectador y lo gu\u00edan en la visi\u00f3n de la obra. Este paisaje, como el resto de la obra de Gana, se inscribe dentro de la tendencia de artistas preocupados por la era antropocena. En este caso, y eso es una interesante distinci\u00f3n, con un mayor peso en los factores individuales que en los colectivos.<\/p>\n Para completar el registro de formatos, texturas y soportes que Tesoros de Am\u00e9rica<\/strong> muestra al espectador es bueno encontrarse con la obra de Laura Quezada<\/strong>. El trabajo, que lleva por t\u00edtulo Memorias de hilo, tiene unos a\u00f1os -es de 2017- y se trata de una escultura de madera y metal. La obra recrea un antiguo carretel de hilo con un ovillo de hilo enredado, coronado por una aguja. La alegor\u00eda le sirve a Quezada para plantear el problema de lo femenino y de las condiciones experienciales de las mujeres en el pasado. El tama\u00f1o del trabajo y la potencia visual del metal utilizado en la representaci\u00f3n de los hilos y la aguja, forma un todo amenazante a la vista del espectador que funciona perfectamente para generar la atm\u00f3sfera opresiva del mundo femenino. Las agujas son un elemento recurrente en la obra de Quezada, que las utiliza como s\u00edmbolo, pero tambi\u00e9n como objeto escult\u00f3rico. Ese objeto mundano, cotidiano y presente se convierte finalmente en un \u00edcono que representa tanto el fen\u00f3meno de lo que est\u00e1 o debe permanecer unido como el concepto m\u00e1s asfixiante de la trama de la femineidad. La obra de esta artista no es literalmente feminista, pero tiene a la mujer en el centro iluminador de la creaci\u00f3n art\u00edstica.<\/p>\n Tesoros de Am\u00e9rica<\/strong> es al mismo tiempo una muestra del vigor del arte contempor\u00e1neo chileno y una celebraci\u00f3n del encuentro entre dos culturas, dos grandes razones para visitarla desde el sitio web<\/a> del pabell\u00f3n de las artes de la UCA<\/a><\/p>\n <\/p>\n Nota publicada en Revista \u00d1 del diario Clarin el 17 de septiembre de 2020<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Tesoros de Am\u00e9rica, muestra virtual en el Pabell\u00f3n de las Artes de la UCA Vivimos tiempos extra\u00f1os. La pandemia nos tom\u00f3 a tres cuartos de camino de un proceso de tontificaci\u00f3n del mundo basado fundamentalmente en la supremac\u00eda ontol\u00f3gica de la indignaci\u00f3n y la denuncia, la sobresimplificaci\u00f3n y los gestos exagerados. 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