Cuenca, Ecuador.<\/strong><\/p>\n La Bienal de Cuenca celebra su 40 aniversario y lo celebra a lo grande con su XVII edici\u00f3n. En la ceremonia de inauguraci\u00f3n llevada a cabo el d\u00eda anterior, los organizadores explayaron las caracter\u00edsticas de la misma dentro de un marco bastante presumido si se quiere.<\/p>\n Vayamos a los hechos<\/p>\n Se trata de una edici\u00f3n con ciertos matices distorsionantes. Por otro lado el subt\u00edtulo es el de \u201cBienal de bienales\u201d lo que de alguna manera desconoce otras de mayor magnitud como es la de su vecina S\u00e3o Paulo y ni que hablar de la de Venecia, por solo citar a las que m\u00e1s involucran a Am\u00e9rica Latina.<\/p>\n Ese aire de superioridad no les beneficia pues siempre con su bajo perfil han cumplido un gran papel dentro de Latinoam\u00e9rica a lo largo de sus 40 a\u00f1os de trayectorias<\/p>\n Seg\u00fan el alcalde Cristian Zamora, el equipo se ocup\u00f3 de seleccionar los mejores diecisiete curadores de todo el mundo, aspecto que obviamente causa gracia por no decir que inc\u00f3moda, m\u00e1s all\u00e1 de algunos destacados de Latinoam\u00e9rica como Ticio Escobar de Paraguay, Justo Pastor Mellado de Chile y Gerardo Mosquera de Cuba.<\/p>\n Durante la ceremonia fueron asimismo anunciados los artistas y curadores premiados.<\/p>\n Aunque las premiaciones son siempre subjetivas mas a\u00fan cuando el grupo del jurado se excusaron por no haber contado con el tiempo suficiente para evaluar la lista de premiados es la siguiente:<\/p>\n *Premio al Mejor Equipo Curatorial: Gerardo Mosquera (Cuba) Si bien el formato de esta edici\u00f3n escogido es original tampoco creemos que pueda ser referencial para el resto de las manifestaciones art\u00edsticas de este tenor.<\/p>\n Fueron convocados 17 curadores y 53 artistas. Cada curador debi\u00f3 de trabajar con tres artistas siendo uno de ellos obligatoriamente de nacionalidad ecuatoriana. En algunos casos el resultado es positivo y concluyente pero en otros algunos artistas quedan desdibujados en post del resultado en com\u00fan no logrado y en lugar de una propuesta colectiva las obras quedan estancas. El lugar contenedor que alberga las obras en ciertos casos los benefician amalgamando obra y espacio pero en otros los perjudica. En Casa de la Lira donde se presenta un conjunto de obras alienadas con la naturaleza, serenidad e intromisi\u00f3n, no dejan de utilizar el resto del edificio para dar charlas y las voces provenientes de las mismas se cuelan por a trav\u00e9s de los sonidos de las obras distorsionando las propuestas donde la instalaci\u00f3n de Gabriela Pun\u00edn (Ecuador) pierde efecto.<\/p>\n Espacios coloniales condicionan algunas propuestas as\u00ed como tambi\u00e9n el uso de un edificio de l\u00edneas modernas donde funciona una galer\u00eda de arte contempor\u00e1neo no benefician las obras, algo similar a lo que nos ocurre con la Bienal de Montevideo en el Palacio Legislativo.<\/p>\n Otro aspecto que le juega en contra al buen funcionamiento de esta bienal es la variedad de horarios en algunos casos muy acotados sumado a la informalidad en los funcionarios que no siempre llegan en hora o lo que es peor encontrarse con los v\u00eddeos apagados.<\/p>\n Mismo as\u00ed y con estos inconvenientes una manifestaci\u00f3n de esta magnitud siempre es motivo de celebraci\u00f3n para los amantes del arte. Dentro de las propuestas hay algunas m\u00e1s destacadas que otras.<\/p>\n Trat\u00e1ndose de una bienal de curadores cabe analizarlas de acuerdo a cada te\u00f3rico.<\/p>\n \u201cNo deja dormir\u201d: la noche como territorio po\u00e9tico y pol\u00edtico<\/strong><\/p>\n La propuesta de Gerardo Mosquera conjuga varios aspectos dentro de un \u00e1mbito inmersivo donde las obras de los tres artistas ocupan el mismo espacio logrando un resultado mancomunado.<\/p>\n Sita en el edificio colonial que alberga el Museo de Arte Moderno esta propuesta se recluye de forma efectiva en pos de su resultado muy efectivo por cierto.<\/p>\n La curadur\u00eda de Mosquera logra un raro equilibrio entre lo po\u00e9tico y lo pol\u00edtico al rendir homenaje a Jos\u00e9 Mart\u00ed desde un concepto transversal: la noche como met\u00e1fora de creaci\u00f3n, insomnio y muerte.<\/p>\n El texto se apoya con solvencia en las obras de tres artistas latinoamericanos \u2014Sandra Cinto (Brasil), Rember Yahuarcani y Christian Proa\u00f1o (Ecuador)\u2014 que, desde geograf\u00edas distintas, hacen converger lo c\u00f3smico, lo m\u00edtico y lo sonoro.<\/p>\n La propuesta act\u00faa en conjunto m\u00e1s all\u00e1 de la calidad de las obras muy enigm\u00e1ticas y atractivas.<\/p>\n Cinto eleva su habitual lirismo visual hacia una dimensi\u00f3n casi lit\u00fargica: el mural como constelaci\u00f3n.<\/p>\n Yahuarcani, por su parte, ancla la muestra en el pensamiento amaz\u00f3nico uitoto, donde la oscuridad no es ausencia sino origen; un gesto que resignifica la idea de \u201cnoche\u201d en clave de cosmogon\u00eda ind\u00edgena.<\/p>\n Proa\u00f1o, al intervenir la Noche transfigurada de Schoenberg, introduce una capa auditiva que dialoga con el texto de Mart\u00ed desde la vibraci\u00f3n, no desde la cita la cual act\u00faa como el gran catalizador de toda la propuesta trasladando al espectador al campo de batalla donde la m\u00fasica se une a los cantos de los grillos.<\/p>\n Mosquera, fiel a su oficio, hilvana la triada desde una noci\u00f3n de \u201cepifan\u00eda sensorial\u201d: visualidad, sonido y palabra se funden en una experiencia total.<\/p>\n Lo interesante es c\u00f3mo evita el clich\u00e9 heroico y rescata al Mart\u00ed poeta y m\u00edstico, m\u00e1s cercano a una conciencia ecol\u00f3gica y espiritual que al bronce del pr\u00f3cer.<\/p>\n La muestra, en suma, se plantea como una vigilia sensorial y afectiva, donde el sue\u00f1o martiano \u2014esa noche que no deja dormir\u2014 se transforma en territorio de revelaci\u00f3n. \u201cArchivos de lo invisible\u201d: pol\u00edtica de la materia y memoria del territorio<\/strong><\/p>\n Curadur\u00eda: Fernando Farina (Argentina)<\/p>\n Se trata de otra propuesta de car\u00e1cter conjunto donde las obras conversan y se confrontan entre s\u00ed logrando un discurso muy efectivo. La propuesta curatorial de Farina encuentra un punto de confluencia entre tres vectores clave del arte contempor\u00e1neo latinoamericano: la memoria social, el paisaje como cuerpo pol\u00edtico y la materia como archivo vivo.<\/p>\n Su texto funciona como una topograf\u00eda sensible de los restos \u2014humanos, naturales y simb\u00f3licos\u2014 que habitan el presente. El eje conceptual del proyecto es la visibilizaci\u00f3n de lo silenciado, y all\u00ed radica su fuerza. La inclusi\u00f3n del colectivo ecuatoriano es el gesto m\u00e1s pol\u00edtico de la muestra. Su trabajo, en madera y teatro de t\u00edteres, conecta el oficio artesanal con la denuncia social.<\/p>\n Farina acierta al leer el gesto manual como una pr\u00e1ctica de duelo, donde los t\u00edteres se convierten en \u201cpresencias insistentes\u201d de quienes desaparecieron. Hay en esta operaci\u00f3n una recuperaci\u00f3n de la memoria popular y una puesta en valor del arte como herramienta de resistencia simb\u00f3lica.<\/p>\n La obra de Fern\u00e1ndez aporta la dimensi\u00f3n ecol\u00f3gica y filos\u00f3fica del conjunto. Su narrativa post-antropoc\u00e9ntrica subvierte la tradici\u00f3n paisaj\u00edstica para proponer un mundo sin humanos, donde la naturaleza reclama su autonom\u00eda.<\/p>\n En el contexto cuencano, esta lectura adquiere una resonancia inmediata frente al conflicto minero de Quimsacocha. Farina la sit\u00faa con lucidez entre la distop\u00eda y la advertencia: su po\u00e9tica es una forma de activismo visual.<\/p>\n Herrera, fiel a su po\u00e9tica del rescate, hace de la calle su cantera y de los restos su gram\u00e1tica.<\/p>\n Su pr\u00e1ctica transforma lo descartado en talismanes urbanos, objetos que oscilan entre lo sagrado y lo cotidiano. Farina destaca en \u00e9l la capacidad de activar memoria y cr\u00edtica en un solo gesto: una econom\u00eda est\u00e9tica que cuestiona el consumo y la obsolescencia sin caer en el moralismo.<\/p>\n Una curadur\u00eda de v\u00ednculos y tensiones<\/p>\n Farina consigue articular tres discursos distintos en un mismo tono afectivo: el paisaje (Fern\u00e1ndez), la memoria social (El ojo del jaguar) y la materia urbana (Herrera) dialogan en un continuo sensorial que reconfigura la idea de archivo. \u201cArchivos de lo invisible\u201d no documenta; repara. No explica la ausencia; la convoca.<\/p>\n El resultado es una muestra que combina po\u00e9tica y urgencia pol\u00edtica, sin perder rigor formal ni densidad conceptual.<\/p>\n En la Bienal de Cuenca, donde las nociones de territorio y pertenencia atraviesan muchas propuestas, esta curadur\u00eda se alza como una de las m\u00e1s coherentes en su dimensi\u00f3n \u00e9tica y est\u00e9tica.<\/p>\n \u201cVoltearla y revertirla: Somos todo\u201d \u2014 Reindigenizar el mundo desde la espiritualidad y la memoria<\/strong><\/p>\n Otra excelente propuesta en Casa de las Posadas, es la curada por Amy Rosenblum-Martin (EE.UU.) con la visi\u00f3n original de Yesenia Selier (Cuba, 1972\u20132021) Esta exposici\u00f3n se sit\u00faa en una zona de cruce entre la est\u00e9tica, la pol\u00edtica y la espiritualidad. \u201cVoltearla y revertirla: Somos todo\u201d es m\u00e1s que una muestra: es una invocaci\u00f3n descolonial que busca reparar las heridas del modernismo desde las voces y saberes de mujeres afro-ind\u00edgenas.<\/p>\n La curadora Amy Rosenblum-Martin, junto a la recordada investigadora cubana Yesenia Selier, proyecta una plataforma que entiende el arte como medicina, la curadur\u00eda como acto ritual y la exposici\u00f3n como espacio de sanaci\u00f3n colectiva.<\/p>\n El texto curatorial propone un giro radical: no mostrar \u201carte ind\u00edgena\u201d como exotismo ni folclore, sino como pensamiento vivo que desarticula las jerarqu\u00edas coloniales del conocimiento.<\/p>\n Desde esta perspectiva, las artistas \u2014Astrid Gonz\u00e1lez (Colombia), Sethembile Msezane (Sud\u00e1frica) y Carmen Vicente (Ecuador)\u2014 son tanto creadoras como guardianas de linajes espirituales, m\u00e9diums de energ\u00edas que conectan territorios y tiempos.<\/p>\n La exposici\u00f3n no se limita a exhibir obras: convoca pr\u00e1cticas m\u00edsticas, perform\u00e1ticas y rituales que desobedecen el formato institucional y buscan reconectar arte, cuerpo y naturaleza.<\/p>\n La instalaci\u00f3n de Carmen Vicente es un homenaje a sus seres queridos fallecidos en la pandemia del COVID-19.<\/p>\n Con peque\u00f1os detalles como utensilios de comida, zapatos de personas de todas las edades incluyendo ni\u00f1os, mu\u00f1equitos diferentes hechos con trapo en peque\u00f1o formato que relevaran a todo su pueblo, entre otros, el espectador va siendo guiado dentro de esos grandes altares que ocupan una peque\u00f1a sala de fondo negro donde las obras emergen entre las penumbras. Rosenblum-Martin y Selier anclan su proyecto en un gesto fundacional de la libertad negra: la Revoluci\u00f3n Haitiana. Lejos de leerla como simple antecedente hist\u00f3rico, la interpretan como un acto art\u00edstico, ecol\u00f3gico y femenino. En lugar de insistir en la herida, la curadur\u00eda propone una pedagog\u00eda del amor y la re-vinculaci\u00f3n. Los materiales industriales \u2014el cemento, el poli\u00e9ster\u2014 aparecen como s\u00edmbolos de desconexi\u00f3n, contrapuestos a los elementos org\u00e1nicos y a la pr\u00e1ctica ritual de las artistas.<\/p>\n Desde esta lectura, el arte se convierte en un acto de rematriaci\u00f3n: volver al origen, al \u00fatero de la Tierra, para restaurar el equilibrio roto por el patriarcado colonial.<\/p>\n El m\u00e9rito mayor de Rosenblum-Martin est\u00e1 en tramar un puente sur-sur: entre el Afropac\u00edfico colombiano, el \u00c1frica austral y los Andes ecuatorianos. Esta cartograf\u00eda alternativa subvierte el mapa hegem\u00f3nico del arte contempor\u00e1neo, proponiendo una red de afinidades espirituales y pol\u00edticas que trascienden las fronteras.<\/p>\n La exposici\u00f3n no solo honra la memoria de Selier, sino que consolida un manifiesto de reindigenizaci\u00f3n: \u201csomos todo\u201d no es una met\u00e1fora po\u00e9tica, sino una declaraci\u00f3n ontol\u00f3gica y \u00e9tica.<\/p>\n En la Bienal de Cuenca, esta propuesta se distingue por su tono prof\u00e9tico y visionario. No pretende ilustrar teor\u00edas descoloniales, sino encarnarlas en experiencias sensoriales que invocan lo sagrado y lo colectivo.<\/p>\n Frente al agotamiento del discurso pol\u00edtico en el arte contempor\u00e1neo, \u201cVoltearla y revertirla\u201d emerge como una ceremonia est\u00e9tica de restituci\u00f3n, donde el acto de mirar se transforma en un ejercicio de memoria, cuerpo y comuni\u00f3n planetaria.<\/p>\n \u201cJugar a hacerse la muerte\u201d: la curadur\u00eda como ejercicio de duelo y sublevaci\u00f3n<\/strong><\/p>\n Curadur\u00eda: Justo Pastor Mellado (Chile) Est\u00e1s obras son exhibidas en el Museo de las Conceptas contenedor que juega un rol activo dentro de la propuesta de Mellado.<\/p>\n M\u00e1s all\u00e1 de que cada obra ocupa una sala aparte, el curador uni\u00f3 las obras de los tres artistas en una sala de b\u00f3vedas donde eran sepultadas las monjas fallecidas. En esta propuesta de Pastor Mellado, la curadur\u00eda no se plantea como un discurso explicativo, sino como una elaboraci\u00f3n del duelo.<\/p>\n Su texto \u2014denso, filos\u00f3fico, autorreferencial\u2014 parte de la lectura de Desear desobedecer de Didi-Huberman y se articula como un ensayo sobre las p\u00e9rdidas que nos constituyen. El punto de partida es la imagen de dos ni\u00f1as que juegan a hacerse la muerta, escena relatada por Didi-Huberman a partir de Pierre F\u00e9dida.<\/p>\n Mellado convierte ese episodio en una met\u00e1fora del trabajo art\u00edstico: jugar con la muerte para seguir viviendo, elaborar la ausencia para producir sentido.<\/p>\n En su lectura, el \u201cfuera de campo\u201d \u2014noci\u00f3n t\u00e9cnica de la fotograf\u00eda\u2014 se vuelve la figura central: lo que no se ve, lo que queda excluido, es precisamente lo que sostiene toda representaci\u00f3n. Cada uno de los tres artistas convocados explora ese territorio liminal entre presencia y desaparici\u00f3n, entre imagen y vac\u00edo.<\/p>\n Oswaldo Ruiz Chapa trabaja desde la fotograf\u00eda, el cine y la penumbra: su mirada sobre la arquitectura y los cuerpos ausentes desactiva la idea de documento para transformarla en espacio espectral, donde el tiempo parece suspendido.<\/p>\n El artista para lograr su cometido se vale de un video donde el agua se mueve pausadamente sobre un fondo de piedra todo lo que alude tanto a la vida, agua sin\u00f3nimo tambi\u00e9n de l\u00edquido amni\u00f3tico y la muerte donde todo se diluye. Asimismo Ruiz Chapa interviene una sala donde eran veladas las monjas con una obra titulada Piedralumbre.<\/p>\n Francisca Aninat aborda la materialidad del desecho y la tela rasgada como huella de lo que ya no est\u00e1, haciendo de la pintura un cuerpo vulnerable que insiste en permanecer. Por su lado Manuela Ribadeneira, con su precisi\u00f3n conceptual, introduce objetos e instalaciones que interrogan la frontera entre la vida y su representaci\u00f3n, entre el gesto de cubrir y el de revelar, entre el sudario y la bandera que menciona el texto curatorial.<\/p>\n La s\u00e1bana del relato se transforma, en el pensamiento de Mellado, en s\u00edmbolo mutable: sudario, casa, vestido, bandera. La exposici\u00f3n no busca representar la muerte, sino mostrar c\u00f3mo el arte la conjura. De ah\u00ed la referencia a Edgar Morin y su idea de que la pintura nace junto a la sepultura: pintar es enterrar con color, es devolver vida a lo perdido.<\/p>\n Mellado propone una curadur\u00eda que no organiza objetos, sino heridas. La muerte no es aqu\u00ed un tema, sino una experiencia com\u00fan que los artistas transforman en formas, pigmentos y silencios.<\/p>\n En un contexto bienal donde abunda la denuncia y la agitaci\u00f3n, \u201cJugar a hacerse la muerte\u201d introduce una reflexi\u00f3n m\u00e1s \u00edntima, ontol\u00f3gica: el arte como el espacio donde lo muerto respira.<\/p>\n La muestra se sostiene sobre una paradoja luminosa: al representar la p\u00e9rdida, el arte renueva la vida.<\/p>\n Pastor Mellado desplaza la noci\u00f3n de curadur\u00eda hacia una pr\u00e1ctica casi terap\u00e9utica \u2014una cura-duelo\u2014 donde mirar implica reconocer nuestra propia fragilidad. \u201cFronteras vacilantes del desconcierto\u201d: el arte como supervivencia ante la desaparici\u00f3n<\/strong><\/p>\n Curadur\u00eda: Marcela R\u00f6mer (Argentina) Por \u00faltimo, dentro de este an\u00e1lisis parcial no menos importante, Marcela R\u00f6mer propone una muestra en el Museo Universitario que se instala en un territorio de fragilidad emocional y pol\u00edtica, donde el arte se convierte en un modo de sobrevivir a la violencia del mundo.<\/p>\n \u201cFronteras vacilantes del desconcierto\u201d explora la desaparici\u00f3n \u2014de cuerpos, de presencias, de certezas\u2014 no solo como tragedia social, sino como condici\u00f3n existencial contempor\u00e1nea.<\/p>\n El texto curatorial parte de una intuici\u00f3n poderosa: el desconcierto no paraliza, despierta.<\/p>\n Frente a la desaparici\u00f3n \u2014esa herida abierta en las memorias latinoamericanas\u2014 los artistas convocados buscan elaborar im\u00e1genes, gestos y objetos que nos devuelvan la capacidad de sentir y pensar lo irrepresentable.<\/p>\n R\u00f6mer entiende el arte como una respuesta l\u00facida al absurdo, una pr\u00e1ctica que sostiene el sentido all\u00ed donde la realidad se derrumba.<\/p>\n Nonino destaca entre el resto de las propuestas abordando la desaparici\u00f3n desde la biograf\u00eda: la ausencia de su padre y el silenciamiento familiar se transforman en una indagaci\u00f3n sobre la memoria y el trauma.<\/p>\n Su obra se construye con fragmentos, fotograf\u00edas veladas, voces que regresan desde el pasado. Falconi traslada al espacio expositivo un caso reciente y brutal \u2014la desaparici\u00f3n y asesinato de cuatro ni\u00f1os afrodescendientes en Guayaquil\u2014 y lo transforma en una obra coral: performance, canci\u00f3n e instalaci\u00f3n.<\/p>\n En su trabajo, la memoria se canta y se encarna, se colectiviza. El gesto art\u00edstico no busca representar el horror, sino devolver dignidad a los cuerpos negados, activando una catarsis compartida entre arte y comunidad.<\/p>\n Si bien la instalaci\u00f3n nos golpea fuerte a trav\u00e9s de una cancha de f\u00fatbol armada sobre arena, hay tres v\u00eddeos en la misma sala que desvirt\u00faan el resultado global. Leal lleva a\u00f1os trabajando con mu\u00f1ecos y cuerpos desfigurados, explorando las zonas donde lo humano se confunde con lo animal o lo inerte.<\/p>\n En esta muestra incorpora figuras del puma americano, emblema de la violencia natural, para interrogar los l\u00edmites de nuestra propia ferocidad. Su instalaci\u00f3n compone una escena inquietante: cuerpos h\u00edbridos que oscilan entre la ternura y el espanto, reflejando el rostro m\u00e1s oscuro de nuestra humanidad.<\/p>\n R\u00f6mer de esta manera traza un marco reflexivo donde la desaparici\u00f3n se extiende m\u00e1s all\u00e1 del hecho f\u00edsico: abarca la p\u00e9rdida de sentido, la erosi\u00f3n del lenguaje, el colapso de lo cotidiano.<\/p>\n El texto reconoce al COVID-19 como un acontecimiento global que nos oblig\u00f3 a experimentar esa volatilidad, record\u00e1ndonos que el arte no est\u00e1 fuera del mundo, sino dentro de su fragilidad.<\/p>\n En esta lectura, \u201cFronteras vacilantes del desconcierto\u201d no es una exposici\u00f3n sobre la muerte, sino sobre la obstinaci\u00f3n de seguir vivos.<\/p>\n El arte aparece como acto de resistencia frente al vac\u00edo, una manera de habitar el desconcierto sin negarlo.<\/p>\n En el contexto de la Bienal de Cuenca, la propuesta de R\u00f6mer se distingue por su tono \u00e9tico y su honestidad emocional: lejos de la ret\u00f3rica militante, ofrece un espacio donde mirar el horror sin perder la ternura, donde pensar la ausencia sin renunciar a la esperanza.<\/p>\n Dentro del resto de los artistas y a t\u00edtulo personal destaca la presencia de Francis Alys quien presenta un video que ya fue expuesto en la Bienal de Venecia en el pabell\u00f3n de B\u00e9lgica.<\/p>\n<\/div>\n <\/p>\n
\nImpulsados y promovidos por el alcalde de la ciudad y bajo la direcci\u00f3n de Hern\u00e1n Pacurucu (Cuenca, 1973), la bienal abri\u00f3 sus puertas el pasado 25 de octubre.<\/p>\n
\nPara comenzar el t\u00edtulo es en ingl\u00e9s cuando esta bienal es la que m\u00e1s se ha ocupado dentro de Am\u00e9rica Latina a difundir sus artistas.
\n\u201cThe game\u201d ha sido el nombre escogido promoviendo el aspecto l\u00fadico entre artistas, curadores y espectadores.
\nEl logo asimismo es acompa\u00f1ado
\npor una imagen con una pantalla de juegos virtuales con un par de mono comandos lo que limita por no decir distorsiona el mensaje.<\/p>\n
\n*Premio Adquisici\u00f3n \u201cEudoxia Estrella\u00bb: Ricardo Bohorquez (Ecuador)
\n*Premio Adquisici\u00f3n \u201cGladys Eljuri\u00bb: Regina Jose Galindo (Guatemala)
\n*Premio Adquisici\u00f3n \u201cPatricio Mu\u00f1oz\u00bb: Carmen Vicente (Ecuador)
\n*Premio Paris: Pamela Suasti (Ecuador)
\n*Menciones de Honor: Ticio Escobar (Paraguay) \u00b7 Illich Castillo (Ecuador) \u00b7 Arti Grabowsky (Polonia) . Fernando Nonino (Argentina)<\/p>\n
\nEste aspecto innovador le genera mayor protagonismo al curador que a los artistas pues existe un gui\u00f3n que conlleva a encontrar y encausar la narrativa de los tres aristas.<\/p>\n
\nLas obras se distribuyeron entre trece espacios dispersos por la ciudad en su mayor\u00eda dentro del casco hist\u00f3rico de Cuenca.<\/p>\n
\nAlgunos lugares no est\u00e1n preparados para recibir las propuestas y la actividad habitual del lugar no esta en sinton\u00eda y termina perjudicando la obra.<\/p>\n
\nEllo sumado a la hermosura de Cuenca y la calidez de su gente justifican en mi caso un d\u00eda entero de vuelos hasta llegar hasta all\u00ed.<\/p>\n
\nLa curadur\u00eda dialoga tanto con el canon literario como con los imaginarios contempor\u00e1neos del arte latinoamericano.<\/p>\n
\nEn mi visita pude charlar con Farina y conocer los artistas en forma personal.<\/p>\n
\nUn aspecto destacable es como Farina logra incorporar obras de car\u00e1cter artesanal dentro de un discurso contempor\u00e1neo.<\/p>\n
\nLas obras de los tres artistas convocados \u2014Ana Fern\u00e1ndez, Carlos Herrera y el colectivo El ojo del jaguar\u2014 operan sobre diferentes formas de lo residual: lo que queda, lo que resiste, lo que fue borrado.<\/p>\n\n
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\nA pesar de que los artista ocupan salas independientes la unicidad de la tem\u00e1tica los une con suceso.<\/p>\n\n
\nComo base de cada t\u00f3tem, Vicente usa bloques de material extra\u00eddo de su propio pueblo, denotando solidez frente a todo tipo de adversidad. Los mismos bloques que utiliza a modo de ausencia corporal pero presencia de tradici\u00f3n.
\nM\u00e1s all\u00e1 de los rasgos y caracteres propios de su gente, la obra local logra una lectura internacional.
\nRecorr\u00ed la propuesta guiado por Carmen quien logr\u00f3 sensibilizarme.<\/p>\n\n
\nLa figura de C\u00e9cile Fatiman, sacerdotisa y bailarina que encendi\u00f3 la insurrecci\u00f3n a trav\u00e9s del Yanvalou, funciona como matriz de sentido: el arte como fuerza de transformaci\u00f3n pol\u00edtica y espiritual.
\nEsa genealog\u00eda se reactiva en las obras contempor\u00e1neas, que vinculan descolonizaci\u00f3n, feminismo y ecolog\u00eda como caminos inseparables.<\/p>\n\n
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\nArtistas: Oswaldo Ruiz Chapa (M\u00e9xico), Francisca Aninat (Chile), Manuela Ribadeneira (Ecuador)<\/p>\n
\nPara mitigar el olor putrefacto las monjas cultivaban en un gran jard\u00edn entre la tumba colectiva y el edificio una gran variedad de de flores perfumadas donde los lirios juegan un rol destacado.<\/p>\n
\nLa exposici\u00f3n deviene un espacio para pensar la muerte como gesto fundacional de la humanidad y del arte mismo.<\/p>\n\n
\nMellado ha sido uno de los pocos curadores que entendi\u00f3 el fin l\u00fadico propuesto por la Bienal.<\/p>\n\n
\nDicho video es confrontado con dos pinturas de fotograf\u00edas de donde el artista teje la narrativa a partir de un caso particular de un jugador de baloncesto latino quien logra suceso en su carrera en los Estados Unidos siempre apoyado por su padre y cuando este \u00faltimo fallece, su carrera se desvanece.<\/p>\n
\nPara ello la artista construye un mural destruido compuesto por trozos que distribuye en forma desordenada o con un orden particular, sobre una pared a modo de mural rescatado.<\/p>\n\n
\nEsa metamorfosis \u2014del dolor a la sublevaci\u00f3n\u2014 es el coraz\u00f3n del proyecto.<\/p>\n\n
\nEn Cuenca, este proyecto se impone como una meditaci\u00f3n profunda sobre la condici\u00f3n humana y la potencia transformadora del arte cuando, en lugar de negar la muerte, se anima a jugar con ella.<\/p>\n
\nArtistas: Mariela Leal (Argentina), Fernando Falconi (Ecuador), Fabi\u00e1n Nonino (Argentina)<\/p>\n\n
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\nEn Cuenca, extiende su investigaci\u00f3n a casos ecuatorianos, tejiendo una red de analog\u00edas entre lo personal y lo colectivo. La desaparici\u00f3n deja de ser un hecho para volverse una estructura del recuerdo.<\/p>\n\n
\nTrat\u00e1ndose de videos informativos deber\u00edan de haber sido expuestos fuera de esa sala que no es m\u00e1s que otra cosa que una gran tumba vac\u00eda.<\/p>\n\n
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![\"XVII](\"https:\/\/cooltivarte.com\/portal\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/XVII-Bienal-de-Cuenca-Cuenca-Ecuador-by-Daniel-Benoit-Cassou-768x1024.webp\" "\\"XVII")
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