{"id":114487,"date":"2025-06-17T20:37:15","date_gmt":"2025-06-17T23:37:15","guid":{"rendered":"https:\/\/cooltivarte.com\/portal\/?p=114487"},"modified":"2025-06-21T20:38:10","modified_gmt":"2025-06-21T23:38:10","slug":"dia-beacon-new-york","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/cooltivarte.com\/portal\/dia-beacon-new-york\/","title":{"rendered":"Dia Beacon – New York"},"content":{"rendered":"
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Dia Beacon – New York – Un viaje al coraz\u00f3n del arte minimalista by Daniel Benoit Cassou<\/figcaption><\/figure>\n

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Beacon, New York.<\/strong><\/p>\n

Un viaje al coraz\u00f3n del arte minimalista<\/p>\n

Dia Beacon, el templo del arte contempor\u00e1neo a orillas del Hudson.<\/em><\/p>\n

Desde Manhattan a otro mundo: cr\u00f3nica de una visita que vale la pena.<\/em><\/p>\n

Llegar a Dia Beacon requiere al menos una ma\u00f1ana, tiempo que generalmente no disponemos en nuestros viajes cortos a New York donde las propuestas en Manhattan nos demanda la mayor atenci\u00f3n y cantidad de tiempo que dispensamos a la hora de visitar la isla.<\/p>\n

De todas formas el esfuerzo tiene su recompensa.<\/p>\n

Dia Beacon est\u00e1 ubicada a 100 km de Manhattan en el estado de Nueva York en la ciudad de la cual lleva su nombre. El tren desde Grand Central Terminal nos lleva hasta Beacon en 80 minutos viaje y desde la estaci\u00f3n son 5 minutos a pie hasta el museo.<\/p>\n

Es un paseo que nos lo debemos de tomar como un distendido viaje apreciando el largo rio Hudson, as\u00ed como la vegetaci\u00f3n de la zona bien diferente al paisaje urban\u00edstico neoyorkino.<\/p>\n

Del silencio al acero: una visita a Dia Beacon, el museo que lo facilita todo<\/em><\/strong><\/p>\n

Dia Beacon es un museo concebido especialmente para albergar obras de gran formato de algunas de las obras de artistas de las d\u00e9cadas de 1960 y 1970 que forman parte del acervo de esta colecci\u00f3n entre los cuales podemos citar a Joseph Beuys, Dan Flavin, Donald Judd, Agnes Martin, Richard Serrca, Cy Twombly y Andy Warhol, Sol LeWitt, On Kawara,  entre otros.<\/p>\n

Para ello la Fundaci\u00f3n de Arte Dia adquiri\u00f3 en Hudson Valley una f\u00e1brica que hab\u00eda sido construida en 1929 y con la participaci\u00f3n de algunos de los artistas el espacio fue remodelado para lograr el fin propuesto, por lo cual cada galer\u00eda fue dise\u00f1ada espec\u00edficamente para las obras que alberga en un espacio que totaliza 22.000 metros cuadrados.<\/p>\n

El edificio que originalmente fue construido como planta de fabricaci\u00f3n e impresi\u00f3n de cajas de Nabisco, fue renovada siguiendo el proyecto del artista Robert Irwin junto con los aportes del los arquitectos Alan Koch, Lyn Rice, Galia Solomonoff y Linda Taalman quienes lograron adaptarlo a los requerimientos de cada propuesta.<\/p>\n

Dif\u00edcilmente podemos encontrar espacios expositivos como estos donde las obras se puedan apreciar con tanta efectividad.<\/p>\n

Las galer\u00edas llevan el nombre de Leonard Riggio (New York, 1941-2024), quien fuera el mayor accionista de la librer\u00eda Barnes & Noble y su segunda esposa Louise, importantes benefactores del centro.<\/p>\n

Desde el momento en que ponemos un pie en Dia Beacon logramos un contacto directo con las propuestas las cuales nos reciben a modo de santuario y el efecto es inmediato.<\/p>\n

Obras gigantes, silencio absoluto y Gonz\u00e1lez-Torres como nunca lo viste<\/em><\/strong><\/p>\n

La primera sala alberga la instalaci\u00f3n del cubano F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres (1957-1996)<\/strong> llamada Untitled (Loverboy),1998, ubicada dentro de un espacio sumamente generoso en dimensiones donde solamente est\u00e1 intervenido por enormes cortinas de tela que arrastran por el piso colgadas sobre los ventanales, los que fueran dise\u00f1ados por Robert Irwin.<\/p>\n

Esta obra de car\u00e1cter tan sutil alude a un estado de melancol\u00eda y fundamentalmente de vulnerabilidad donde se percibe una gran p\u00e9rdida de el que fue, de quien ya no est\u00e1.<\/p>\n

Las cortinas tan voluptuosas a la vez que ligeras evocan a trav\u00e9s de sus ondulaciones una poes\u00eda que alude a las relaciones entre lo p\u00fablico y lo privado, entre lo personal y lo social, lo que sumado al tenue color azulado nos conducen a otro estado. <\/p>\n

Con ellas el artista divide los espacios entre los internos y los de fuera, entre la vida y la muerte, lo que junto al ensordecedor silencio nos conduce a salas de hospitales.<\/p>\n

Gonz\u00e1lez-Torres recurr\u00eda asiduamente al color azul claro para hacer alusi\u00f3n a los recuerdos.<\/p>\n

A trav\u00e9s de este tipo de elementos tan comunes compuestos por materiales difusos el artista buscaba escenificar las relaciones entre los seres humanos, entre las parejas fundamentalmente,  donde no faltaban rasgos de la alegr\u00eda de amar a la vez del temor hacia la p\u00e9rdida. <\/p>\n

No debe de haber muchas mas posibilidades en el mundo de ser tan F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres o el artista que exponga all\u00ed como en estas salas.<\/p>\n

De esta manera y a trav\u00e9s de la sutileza que caracterizaba sus obras, como pr\u00e1cticamente nadie lo ha vuelto a realizar, el artista quien falleci\u00f3 siendo muy joven (39) a ra\u00edz de haber contrario el VIH, nos invita a ingresar en punta de pie a un espacio muy \u00edntimo y personal en forma de esp\u00eda como a \u00e9l le gustaba referirse.<\/p>\n

A partir de esa soberbia sala de ingreso, el espectador totalmente anonadado, logra el v\u00ednculo acorde para asimilar estas obras de arte contempor\u00e1neo que se ir\u00e1n distribuyendo a lo largo de todo el museo.<\/p>\n

Un aspecto no menor en el cual repar\u00e9 con ah\u00ednco es la calidad de atenci\u00f3n de los funcionarios quienes est\u00e1n en cada sala a disposici\u00f3n del visitante. Nunca me hab\u00eda ocurrido de mantener charlas tan ricas a la vez que en complicidad espiritual con estos muchachos quienes me brindaron tiempo y conocimiento, lo que no es com\u00fan en los museos. Me costaba dejar de conversar con ellos en cada caso quienes me hicieron sentir en su casa como un \u00fanico visitante.<\/p>\n

Paisajes del alma, del Hudson a las salas infinitas de Dia Beacon<\/em><\/strong><\/p>\n

La sala destinada a pinturas de Andy Warhol (Pittsburg,1928-1987)<\/strong> no logra la misma simbiosis en virtud  del prop\u00f3sito mismo de la obra con caracter\u00edsticas menos conceptuales, no por ello es menos impactante.<\/p>\n

Esta obra fue creada entre 1978 y 1979 para ser expuesta en la galer\u00eda de Heiner Friedrich (co fundador de Dia) ubicada en New York.<\/p>\n

Concebida como una sola obra de tenor abstracta, fue creada con serigraf\u00edas y pinturas dando vida a una instalaci\u00f3n llamada Sombras la cual est\u00e1 compuesta por 102 lienzos todos de igual dimensi\u00f3n haciendo uso de una gama de tonalidades bien distantes de las que sol\u00eda usar Warhol para sus retratos con colores fluorescentes.<\/p>\n

La franco estadounidense Louise Bourgeois (Par\u00eds,1911-2010) <\/strong>tampoco logra mostrar su perfil mas sobresaliente el que lograba en las instalaciones, sin embargo su obra, algunas de ellas colgadas del techo, dignifican las salas donde una versi\u00f3n reducida de sus ara\u00f1as tejedoras \u201cMaman\u201d es la que mas impacta.<\/p>\n

Se trata de obras que evocan diferentes traumas que acompa\u00f1aron a la artista en su larga vida de casi cien a\u00f1os.<\/p>\n

Bourgeois trabajaba dentro del arte a modo de sanaci\u00f3n de su vida tan mal afectada. Afirmaba que sin la dedicaci\u00f3n hacia el arte hubiera muerto cada d\u00eda y celebraba cuando volv\u00eda a amanecer a la ma\u00f1ana siguiente.<\/p>\n

Arte monumental en un espacio transformado y transformador<\/em><\/strong><\/p>\n

Donad Judd  (Misuri, 1928-1994)<\/strong>, destacada figura dentro de la colecci\u00f3n tiene una sala destinada a enfocada en las ic\u00f3nicas obras de contrachapado creada en la d\u00e9cada de 1970, que ejemplifican la capacidad del artista para producir obras exquisitamente complejas mediante la combinaci\u00f3n de geometr\u00eda esencial y materiales industriales comunes.<\/p>\n

Richard Serra (San Francisco, 1938-2024)<\/strong> est\u00e1 presente con varias piezas las cuales forman parte de la colecci\u00f3n del museo y ocupan diferentes espacios del edificio. <\/p>\n

Sus obras son sin\u00f3nimo de curvatura y equilibrio, o podr\u00edamos decir falta de equilibrio, pues sus piezas logran desestabilizarnos a partir de una b\u00fasqueda de reacci\u00f3n entre la materia y el espacio.<\/p>\n

*Scater Piece, 1967, exhibida a lo largo de cinco galer\u00edas, est\u00e1 compuesta por l\u00e1tex de caucho, varillas de metal y alambre recubierto de caucho.<\/p>\n

La misma forma parte de una etapa muy particular cuando el  escultor vira hacia un m\u00e9todo mas procesal donde el material es el gran determinante de la forma de la pieza. <\/p>\n

Para crear estas pieza el escultor verti\u00f3 caucho en capas para formas tiras de goma que luego distribuy\u00f3 aleatoriamente por la galer\u00eda. <\/p>\n

Entre 1967 y 1968, Serra utiliz\u00f3 una lista de verbos transitivos, que aplic\u00f3 a materiales nuevos e innovadores para crear estas esculturas.<\/p>\n

Por su lado *Uni\u00f3n del toro y la esfera de 2001 es el resultado de la confrontaci\u00f3n de dos placas de acero con sus lados curvados en direcciones aparentemente opuestas.<\/p>\n

Las piezas de Serra invitan a recorrerlas dej\u00e1ndose abrazar por sus movimientos curvados que nos desestabilizan y que parece nos llevaran hacia un remolino que nos har\u00e1 suyos.<\/p>\n

La tercera llamada *Consequence fue creada especialmente para dicho espacio en 2003 aspecto que caracteriza sus esculturas las que debido a su tanino requieren previenen considerar el lugar que ocupar\u00e1n, como fue el caso del Guggenheim de Bilbao donde fueron colocadas antes que las paredes del edificio.<\/p>\n

*Elevational Wedge (2001) es otro ejemplo de relaci\u00f3n entre el movimiento, la materia y el espacio, inquietudes centrales en sus obras de la d\u00e9cada de los 90 y principios de la d\u00e9cada de 2000. <\/p>\n

Se trata de una rampa que inclina sutilmente el suelo de la galer\u00eda, que nos conduce hasta su monumental serie Elipses Torcionadas. Forman parte de la investigaci\u00f3n de Serra sobre la experiencia corp\u00f3rea de la percepci\u00f3n redefiniendo de forma similar la relaci\u00f3n del objeto con el suelo al contrarrestar la suave pendiente del piso de la galer\u00eda con un plano horizontal.<\/p>\n

*Elipses torcioandas, son cuatro obras creadas en acero en 1996.<\/p>\n

Est\u00e1n inspiradas en las formas curvas de la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1646) del arquitecto italiano Francesco Borromini en Roma. A partir de all\u00ed, Serra decidi\u00f3 tomar un volumen el\u00edptico y torcerlo para llegar a desarrollar su idea.<\/p>\n

Estas grandes instalaciones de placas de acero retorcidas plantean inquietudes sobre la orientaci\u00f3n y el movimiento, desestabilizando nuestra experiencia del espacio al intentar comprender cada volumen escult\u00f3rico<\/p>\n

El arte como rito, entre el minimalismo y la espiritualidad contempor\u00e1nea<\/em><\/strong><\/p>\n

La obra de Steve McQueen (Londres, 1969)<\/strong>, ganador del Premio Turner 1999, se puede decir que es la mejor propuesta lograda en virtud de las caracter\u00edsticas y la gran espaciosidad de la sala, la cual rinde homenaje al cineasta. <\/p>\n

Pocas veces tenemos la posibilidad de lograr establecer un v\u00ednculo  tan eficaz con las obras como en este caso.<\/p>\n

Para albergar su propuesta el artista escogi\u00f3 la planta baja de Dia Beacon donde ubic\u00f3 Bass creada en 2024, compuesta por luz y sonido ambiental.<\/p>\n

Est\u00e1 compuesta por 60 cajas de luz colocadas en el techo que emanan luces cambiantes acompa\u00f1ada por sonidos graves que provienen de diferentes puntos de la sala.<\/p>\n

All\u00ed no hay razonamiento que pueda guiarnos, por lo cual dejamos que nuestro esp\u00edritu deambule seducido por las luces y los sonidos entre una dimensi\u00f3n y otra. <\/p>\n

El nombre que lleva la pieza est\u00e1 basado en Bass (bajo) proveniente del sonido mas grave que se utiliza en m\u00fasica generando sensaciones corp\u00f3reas mas que sonidos auditivos.<\/p>\n

McQueen utiliza el sonido como un recurso recurrente ese sus obras con el fin de atraer y seducir el esp\u00edritu de las personas y en esta ambientaci\u00f3n lo logra con creces.<\/p>\n

Lo mas impactante que se puede ver cerca de Manhattan, donde el silencio absoluto, la espaciosidad sumado a la luz facilitan una experiencia \u00fanica<\/em><\/strong><\/p>\n

Comentar el resto de las propuestas nos llevar\u00eda escribir un manual, raz\u00f3n por la cual hemos escogido solo algunas a modo de ejemplificar el \u00e1urea del lugar entre expuestos como Senga Nengudi, Lucas Samaras, Michael Heizer, Roni Horn, Larry Bell, Gerhard Richter, Robert Smithson, Stanley Brouwn, Keith Sonnier, Max Neuhaus, Melvin Edwards, Mary Heilmann, Robert Ryman, Meg Webster, Robert Irwin, Lawrence Weiner, Ren\u00e9e Green, Imi Knoebel, Louise Lawler, Cameron Rowland y los ya nombrados con anterioridad.<\/p>\n

Ademas del acervo permanente Dia Beacon ofrece espacio para explosiones temporales.<\/p>\n

Conoce la historia de Dia Art Foundation<\/em><\/strong><\/p>\n

Dia Art Foundation fue creada en 1974 a instancias del artista Heiner Friedrich (Polonia, 1938), su ex-esposa Philippa de Menil (Houston, 1947) y la historiadora Helen Winkler bajo el prop\u00f3sito de financiar propuestas de artistas que trabajaban con obras de grandes escalas.<\/p>\n

Philippa de Menil perteneciente a una familia de petroleros contrajo matrimonio en segundas nupcias con Henier Freidrich y desde ese momento comenzaron a apoyar obras de artistas de su inter\u00e9s contando con millonarios presupuestos provenientes de la petrolera Schlumberger propiedad de Domique de Menil madre de Philippa quien siempre fue una gran mecenas del arte.<\/p>\n

De alguna manera, Friedrick quiso crear un sistema de financiaci\u00f3n e impulso art\u00edstico similar al que oportunamente llevaron cabo los Medici dando vida al Renacimiento.<\/p>\n

El nombre Dia sin tilde, proviene del griego que significa \u201ca trav\u00e9s\u201d o \u201cconducto\u201d aludiendo al paso de la fundacion que conducir\u00eda a un estado futuro incierto.<\/p>\n

Comenzaron alejados de la prensa con muy bajo perfil a pesar de las enormes sumas utilizadas para fomentar obras monumentales.<\/p>\n

En forma paulatina fueron dando se\u00f1ales de su existencia principalmente en exposiciones temporales en la galeria Friedrich en el Soho neoyorkino, hasta cruzar el oc\u00e9ano llegando a Basilea en 1976 donde ubicaron una obra de Dan Flavin en el Museo de Arte de la ciudad y de ah\u00ed en mas no han parado.<\/p>\n

Durante los primeros a\u00f1os de vida la Fundaci\u00f3n Dia invert\u00eda en el orden de los 5 millones de d\u00f3lares al a\u00f1o hasta que en la d\u00e9cada de los 80 las acciones de la petrolera se desplomaron en bolsa momento en el cual debieron de reinventarse pues la familia de Philippa le cerraron \u201cla canilla\u201d.<\/p>\n

Dia funcion\u00f3 al principio con pr\u00e9stamos con garant\u00eda de acciones de la petrolera pero luego de haber acumulado una deuda de 5 millones de d\u00f3lares, Philippa convertida al islamismo quien hab\u00eda pasado a llamarse Fariha Fatima al-Jerrahi, debi\u00f3 de hacerse a un lado. En ese momento intervino su madre quien puso al frente de la Fundaci\u00f3n a Ashton Hawkins proveniente de la junta directiva del Museo Metropolitano.<\/p>\n

A partir de all\u00ed varios artistas demandaron a Dia raz\u00f3n por al cual la fundacion comenz\u00f3 a rematar obras para afrontar sus deudas.<\/p>\n

Dia Art Foundation tiene varios locales distribuidos en Estados Unidos y Alemania los que divide en ubicaciones y en sitios.<\/p>\n

La ubicaciones incluyen espacios muse\u00edsticos mientras que los sitios albergan instalaciones permanentes fuera del contexto galer\u00edstico las cuales fueron encargadas o adquiridas por Dia.<\/p>\n

Est\u00e1n enfocados a instalaciones y proyectos site-especific<\/em> donde el land art<\/em> ocupa un lugar protag\u00f3nico de inter\u00e9s para esta fundacion.<\/p>\n

Cabe recordar que Dia fue la pionera en convertir edificios industriales en espacios expositivos para exhibir obras de arte contempor\u00e1neo.<\/p>\n

Ademas de Dia Chelsea, se encuentran tambi\u00e9n en New York Dia Chelsea ubicado en la zona de mayor concentraci\u00f3n de galer\u00edas en Manhattan y Dia Bridgehampton en Long Island, el que fuera inaugurado en 1983 dedicado exclusivamente a obras de Dan Flavin.<\/p>\n

Luego existen nueve sitios dispersos entre:<\/p>\n

*7000 Oaks de Joseph Beuys, NYC \u2013 *Depreciaci\u00f3n de Cameron Rowland, Edisto Island, Carolina del Sur \u2013 *Spiral Jetty de Robert Smithson, Gran Lago Salado, Rozen Point, Utah \u2013 *T\u00faneles solares de Nancy Holt, desierto de la Gran Cuenca, Utah \u2013 *El kil\u00f3metro roto de Walter de Maria, NYC \u2013 *El campo de rel\u00e1mpagos de Walter de Maria, Quemado, Nuevo M\u00e9xico \u2013 *La Sala de la Tierra de Nueva York de Walter de Maria, NYC \u2013 *El kilometro vertical terrestre de Walter de Maria, Kassel, Alemania \u2013 *Times Square de Max Neuhaus, NYC<\/p>\n

La direcci\u00f3n de Dia Art Foundation hoy d\u00eda y desde 2015 est\u00e1 en manos de Jessica Morgan (Londres, 1969), proveniente de la Tate Modern donde contribuy\u00f3 la crecimiento de la colecci\u00f3n, as\u00ed como tambi\u00e9n fue Directora Art\u00edstica de la 10.\u00aa Bienal de Gwangju en Corea del Sur en 2014, entre otros trabajos previos que engrosaron su carrera.<\/p>\n

Morgan es una mujer que cuenta con un perfil profesional que vale la pena abordar por su impronta y particularidad, lo que la ha llevado a destacarse gozando de gran aprobaci\u00f3n en el medio muse\u00edstico.<\/p>\n<\/div>\n

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