Enrique Daniel Tomasini es artista plástico, Licenciado en Artes plásticas y Visuales por el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, docente universitario y crítico de arte.
Desde el 15 de noviembre en el Museo Zorrilla expondrá su trabajo “El Lago de los Cisnes”, lo que nos da motivo para entrevistarlo y saber más de cómo trabaja y de sus opiniones sobre el arte en el Uruguay.
“La vida es un buen pretexto para pintar. Todo se puede pintar y el pintor siente que está dando vida a lo que pinta…”, así comienza la presentación para esta muestra de Tomasini que pretende con ella, un reencuentro con algunas sensaciones olvidadas.
De esta forma, y muy atentos a lo que nos tiene para contar, lo incorporamos a nuestro ciclo de Plásticos de esos que ves por ahí.
“Hay como un sentimiento religioso pagano en todo esto, una especie de mística del “estado natural” que intento canalizar a través de la pintura”
-¿Cuándo empezaste en el arte?
-A los 13 años mis padres me enviaron con una profesora del barrio a realizar copias y comenzar a pintar. Desde niño dibujaba con ladrillos en las fachadas de algunas casas y también en época escolar tallaba las hojas de palmera que crecían en el Bulevar Artigas, cerca de donde vivía.
-¿Qué intentan exteriorizar tus obras?
-Intentan trasmitir y generar emociones a través del color.
-¿Con qué nos vamos a encontrar en la exposición “El lago de los cisnes” que inauguras el 15 de noviembre de 2012?
-De la misma manera que la música transforma las percepciones, intento que mi pintura logre colocar al espectador en el plano estético, un plano que se vive únicamente través de la sensibilidad. En este plano todas as formas son abstractas y se reconocen a través de los significados que el espectador les asigna de acuerdo a su experiencia. El alto cromatismo de la pintura busca despertar estos significados que se transforman en relaciones y que a menudo se encuentran en capas escondidas de la conciencia, debido a nuestra diaria necesidad de utilizar el pensamiento lógico. La exposición pretende un reencuentro con algunas sensaciones olvidadas o recuerdos atávicos.
-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
-La pintura sencillamente “aparece”. Es la que gobierna la composición a través de los ritmos del color aplicado con espátula – a menudo tres o cuatro colores los deposito en la herramienta- y “nace” en la propia tela. Existe una idea previa en general – que puede ser modificada en la marcha- pero el resultado final es impredecible y depende de las relaciones cromáticas que se vayan gestando, siempre en pos de retener una especie de atmósfera para cada obra.
-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?
-Trabajo con bastidores de tela, tipo lona, porque debe ser resistente a la carga del color. Los cuadros a menudo son muy pesados por la carga de pintura al óleo – de marcas comerciales de primera calidad- El color se aplica con espátula y la mezcla se realiza en el soporte a menudo arrastrando la masa de color de un lado para otro. El óleo es una materia sensual y la espátula un elemento que permite descargar mucha energía. El resultado se conforma con toques más o menos independientes que no se funden como con el pincel, sino que mantienen autonomía. La temática es la naturaleza y la mujer como símbolo de la naturaleza en cierta medida. El paisaje otoñal de Canadá que es sencillamente maravilloso en color me inspira siempre por mi inclinación de colorista.
La temática y los materiales conforman una decisión que refleja mi personalidad y en la cual me siento cómodo, a pesar del esfuerzo considerable que implica el realizar los cientos de toques de la herramienta para lograr la unidad. El promedio de pintura para una superficie de l00 x 145 cm es de aproximadamente l,5 kg hasta 2 kilogramos (como mínimo 10 pomos de color de 150 cc cada uno)
-¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta trabajar?
-Me siento muy cómodo con la medida de l00 x 145 cm aunque formatos de 170 cm por 110 también me atraen mucho porque es la altura de una persona, prácticamente.
La tela resistente y sobre todo la lona me resultan muy adecuadas.
-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?
-La serie se relaciona por la temática y en el caso del “lago de los cisnes”, siempre aparece el agua interactuando con el follaje, además de las bailarinas que remiten a la suite de Tchaikovsky. Me han interesado mucho los reflejos del agua que constituyen el contrapunto al colorido del propio bosque. En esta muestra intento colocarme en lugares aislados como observador porque la naturaleza ofrece la posibilidad de encontrarse con verdaderos templos naturales, donde la reflexión y la meditación siempre son posibles. Intento trasladar este espíritu que no necesariamente es de soledad, sino de comunión.
-¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?
-La pregunta es amplia ya que existe un tiempo cronológico que siempre es escaso. Cada obra en general insume de 10 a 12 horas de ejecución, porque en general – exceptuando algunos casos- no salen con facilidad, sino que hay que trabajar mucho en pos de la unidad.
En cuanto al tiempo histórico o del transcurrir de la vida, es innegable que a medida que pasa y vamos registrando nuevas experiencias, van surgiendo nuevas necesidades de expresión. Lo que es importante, en mi opinión, es ser fiel a uno mismo en el sentido de que el acto de crear no debe ser forzado sino natural y si no totalmente espontáneo, debe tener esa frescura que justamente vemos en la naturaleza, en el canto de las aves, en el sonido de la brisa, en el murmullo del arroyo, etc. La pintura, como decía el maestro Lino Dinetto es siempre “un acto de amor”.
-¿Qué te interesa que generen en el espectador?
-Me interesa generar una emoción, producto de la experiencia estética y plástica.
Quisiera que se percibieran las sensaciones que uno mismo experimenta en la relación con la naturaleza, relación que yo no quiero perder ante la cultura urbana, cibernética y digital porque, de la misma manera que el aire puro del bosque o del campo es saludable, también lo es la relación olfativa, visual y táctil con un mundo que todos sabemos está en riesgo. Tampoco es un retorno al “buen salvaje”, sino la búsqueda del equilibrio. Hay como un sentimiento religioso pagano en todo esto, una especie de mística del “estado natural” que intento canalizar a través de la pintura. La mujer desnuda es un poco el símbolo de este estado, no exento de deseos y de expectativas de progreso.
-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
-Pienso que en la medida que el artista se dedique con mucha intensidad, puede vivir de su producción, aunque habría que determinar si los niveles de vida se consideran los básicos o es posible contar con excedentes. Esta es una cuestión de estadística de la cual no tengo datos muy completos. Casi todos los artistas que conozco se proyectan al extranjero, además de comercializar obra en el país. Pienso de todas formas que deberían existir mayores incentivos para los creadores.
-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
-Yo creo en el Arte sea como sea que se defina (y tal vez no tenga una definición). Sin embargo es posible percibir esta presencia.
Por lo tanto, en mi criterio la cuestión está en determinar si en lo que vemos está o no está el arte. Por ser contemporáneo no necesariamente debe dejar de lado el hecho de que la esencia de la obra – o dispositivo o artefacto, o acción o como quiera que se denomine- lo constituye el fenómeno (único en su especie pero casi infinito en formas) artístico. Sin ello, en mi opinión, no tiene valor. Porque en definitiva es un mundo – el estético- de valores, es decir de fenómenos intangibles que tienen una repercusión tanto individual como social.
Creo que hay que medir el fenómeno con la medida que éste ofrece o que propone. No podemos medir un peso cualquiera en centímetros y por este motivo el arte contemporáneo, al sostenerse en otros parámetros – sin ser reglas- debe considerarse a partir de los mismos para lo cual el “todo vale” puede ser un axioma que se puede leer espejado o sea considerando también como que “nada vale” con lo cual estamos ante un problema, digamos ontológico o del Ser.
Es entonces, como decía Hamlet, “ser o no ser” y este problema filosófico no es poca cosa, pero en definitiva es un problema filosófico y no artístico. Si bien Kosuth, el fundador del conceptualismo como tal intentó unir filosofía y arte a través del Lenguaje, no es sencillo realizarlo en todos los casos.
No se puede cortar el árbol desde la propia copia donde estamos subidos. Téngase en cuenta que el disparador de todo esto ha sido el famoso urinario de Duchamp, que en definitiva, era una broma. Hay que ver si no hay mucho de broma – a pesar de que el humor es algo serio- en todo esto.
-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?
-Creo que nuestro país tiene una legión de creadores en todas las ramas expresivas y lenguajes, verdaderamente sorprendente y de alta calidad. Estoy muy contento de encontrarme con propuestas variadas , inteligentes y sensibles que demuestran el desarrollo cultural de nuestros ciudadanos y sobre todo de la juventud.
-¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos?
-El artista debe necesariamente tener una relación con estos agentes porque forman parte necesaria e integral del fenómeno creativo, del cual el artista es digamos, el motor.
No creo que sea bueno vilipendiar a estos agentes que en general trabajan en pos del arte y de los artistas y si bien reciben el beneficio que les es justo, constituyen piezas imprescindibles del engranaje de la cultura de cualquier país.
-¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?
-El artista tiene que producir, con su obra podrá movilizar las voluntades de los agentes de los que hablamos más arriba, pero es fundamental que entre en un camino de producción si bien no constante, por lo menos regular, lo cual otorga confianza en los que creen en él. A partir de aquí, estará en condiciones de exigir a cambio de su esfuerzo La responsabilidad entonces pasa a ser mutua en cuanto se comprendan los roles.
-¿Cuáles son tus referentes artísticos?
-Los Automatistas canadienses y en especial el pintor también canadiense Jean -Paul Riopelle.
-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo?
-Por medio de la página web www.danieltomasini.com
-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?
-Nuevamente es un problema estadístico, habría que hacer una investigación en este sentido, pero tengo la sensación de que en general se sabe apreciar el arte. Con respecto al consumo, el mercado del arte no creo que sea accesible a todas las capas de la población, pero también es problema de números.
-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?
-Creo que las redes sociales son una herramienta formidable para dar a conocer todo tipo de actividades artísticas. Es un mecanismo multiplicador y no sabemos el alcance que tiene a ciencia cierta porque el mundo se ha achicado considerablemente por estos medios.
-¿En qué proyectos trabajas actualmente?
-Además de algunos proyectos que prefiero reservar por el momento, estoy esperando la comunicación desde la Embajada de Uruguay en Ottawa sobre la organización de una muestra en aquella ciudad probablemente para el año que viene.
[sam id=”21″ name=”notas y articulos” codes=”true”]
