2013 - Nicolás da Rocha - El nene no me come. - Acrilico sobre lienzo y papel. 160 x 100 cm

Parecido a sí mismo, entrevista a Nicolás da Rocha

Nicolás da Rocha es argentino, artista plástico, nacido en 1973, y refugiado en el papel desde chico, cuando delineaba caricaturas y pequeños dibujos utilizando lápices, marcadores, tintas y acuarelas. Nos contactamos con él a raíz de un comentario que una lectora dejó en una anterior entrevista a otro artista pero uruguayo, Gastón Izaguirre. Es que sus obras se tocaban. da Rocha no lo niega, y nos cuenta que tampoco le molesta parecerse a…, simplemente, pinta.

Desde el año 2009, a sus 36 años, le surgió la necesidad de pintar sobre bastidores utilizando pintura, y dejó lápices, tintas, marcadores por acrílicos y oleos, y el papel por bastidor. Estudió en el taller de Ana Mercado y en la actualidad asiste al taller experimental de Luis Altieri.

Como nos comenta, Nicolás incursionó al comienzo en al arte abstracto, algo que lo tensionaba, lográndose liberar de ello para disfrutar hoy en día fusionando ese mismo arte abstracto, con el art brut y las caricaturas, mezclando papeles pegados en lienzos, utilizando acrílicos, lápices, crayones y hasta marcadores.

Ha expuesto en 2010 en una muestra colectiva junto a otros 4 artistas, para la inauguración de Ceta espacio Escénico, en Lomas de Zamora. En 2012 expone también colectivamente con “los de Altieri”, en el Espacio Cabrera 5849, en la Dama de Bollini. Este año, su obra se exhibe en una muestra permanente en Cabrera 5849, colgada en “Divino Bocado” (Colegiales). Se encuentra también preparando su primera muestra individual. Desde hoy forma parte de nuestro ciclo Plásticos de esos que ves por ahí, donde pone palabra a las ideas que conocíamos a través de sus imágenes.

“soy un tipo inocentón, y a la vez soy muy irónico, y creo que mi obra representa esto mismo. A veces soy ese nenito mostrándole algo a su papá, y otras pertenezco a ese mundo de tipos de traje y corbata sacándole el cuero a otro o rodeado de chantas que lo quieren estafar”

-Llegamos a tu obra por una lectora que nos dejó un comentario en la entrevista que le realizáramos a Gastón Izaguirre contándonos sobre la popularidad en tu país y la convergencia con la obra de Gastón

-¡No sé de donde salió que soy popular! Pinto desde el 2009 pero arranqué pintando abstracto. Hago esta obra desde el 2012. La verdad, es que de popular tengo poco, me conocen mi familia, mis amigos… y todas sus mascotas.

-¿Ya conocías el trabajo de Gastón Izaguirre?

-Si, conocía el trabajo de Gastón. Un poco gracias a ver su obra me animé a plasmar mis caricaturas en bastidor. ¡Antes pintaba abstracto! (¿podés creer?) y las caricaturas las dibujaba en papel o en bastidores chiquitos, sin darles demasiada importancia o entidad. El arte de Izaguirre me hizo ver que podía fusionar ambas cosas…. Y acá estamos!

Fue una liberación, pintar abstracto me terminaba tensionando en lugar de distenderme. Ahora disfruto, y mucho, lo que hago.

-¿Cómo trabajas tus personajes?

-Depende. A veces son personas reales, otras veces son representaciones… estereotipos, y otras veces ni una cosa ni la otra. Simplemente los personajes fluyen solos en el momento en que me paro frente al bastidor, arranco a pintar y sale lo que sale.

-Cuando charlamos por primera vez, me comentabas que “hay una cierta «preocupación» latente sobre el tema de quien copia a quien”. Quizás la inquietud de Angela (la lectora que comentó en nuestro portal) venga en este sentido. Quizás está preocupada por si Gastón me copia o yo me copio de Gastón.”

¿Cómo es trabajar lo interior sobre las influencias?

-Sí, existe una cierta preocupación general sobre el tema de quien es original y quien copia a quien. Sería un mentiroso si te dijera que no tengo influencias fuertes de lo que hicieron y hacen otros artistas. ¡Si ya está todo hecho! (hay una nota muy interesante de Ezequiel Montero Swinnen, un artista visual – amigo además – que habla sobre la muerte del plagio. Recomiendo su lectura: http://foroalfa.org/articulos/la-muerte-del-plagio )

Confieso que me costó mucho trabajar sobre el tema de las influencias. Hace un tiempo el tema me estresaba e incluso terminaba reprimiéndome de pintar, porque tenía la sensación constante de que cualquier cosa que hiciera siempre se iba a parecer a lo que alguien hizo antes. Sin ir más lejos, cualquier obra mía puede recordarte a obras de Milo, Modigliani, Bernasconi, Basquiat, Chavetta … ¡o a Izaguirre !

Hay que salir de eso, y pintar… y si se parece, ¡se parece!

-¿Cuándo empezaste en el arte?

-Siempre dibujé, de purrete. Empecé recreando los personajes de Mafalda, así que de toda la vida. Mi vieja estudió Bellas Artes, mi abuelo paterno que falleció cuando yo tenía 5 o 6 años era pintor amateur (aunque muy bueno), así que siempre estuve ligado al arte. Pero sobre bastidor y enchastrándome las manos, la ropa, la cara… en el 2009. En 2012 cambié el rumbo y empecé a pintar estos personajes en bastidor.

-¿Qué intentan exteriorizar tus obras?

-Intento plasmar distintas cosas, pero creo que lo que hago me representa bien: soy un tipo inocentón, y a la vez soy muy irónico, y creo que mi obra representa esto mismo. A veces soy ese nenito mostrándole algo a su papá, y otras pertenezco a ese mundo de tipos de traje y corbata sacándole el cuero a otro o rodeado de chantas que lo quieren estafar. Es que para ganarme la vida, trabajo en consultoría desde hace más de 15 años, y durante muchos años me rodeé de gente de traje que hacía cualquier cosa por escalar. No soy de esos, pero siempre me afectó, y de alguna manera pintarlos a ellos me hace decirles lo que no podía, políticamente hablando, en la cara.

-¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?

-Cuando son personas reales, suelen ser pensadas, incluso muchas veces hago bocetos en papel para ir perfeccionándolo o “probar” si me gusta. Después de logrado lo vuelco en un lienzo. Cuando “fluyen”, directamente laburo sobre el lienzo y no me importa nada. Estas son las obras que disfruto más, porque si son muy pensadas corro el riesgo de que me aburran antes de empezar a pintarlas.

-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué elegís los materiales que utilizas para trabajar?

-Tengo dos “líneas” de obra: En papel trabajo con lápices y tintas, depende la vuelta, incluso con crayones. Cuando laburo sobre bastidor, trabajo pegando papeles (que muchas veces ni se ven, ¡pero están!) y prácticamente sólo pinto con acrílico, aunque a veces lo intervengo con crayones y lápices.

-¿Tienes una medida estándar para trabajar? ¿Sobre que superficie te gusta hacerlo?

-En papel, trabajo en A4 con papeles de resma, porque los tengo a mano en casa y en el laburo. Siempre hay hojas de resma en todas partes.

En bastidor, trabajo generalmente la medida 100 x 150, o 150 x 100, pero hago cuadros más chicos o más grandes según lo siento, aunque últimamente prefiero los formatos más grandes.

Cuando trabajo sobre bastidor me gusta pegarle papeles para generar texturas y “endurecer” la superficie. Me incomoda un poco la elasticidad y esponjosidad de la tela cuando quiero mechar acrílico con lápiz, por ejemplo.

-¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?

-Me aburro rápido, así que va en función de mis ganas próximas… a veces siento que ya hice muchos nenitos y me empiezo a aburrir , entonces hago tipos de traje o una nena volando, o un montón de pelados mirándose. No me gusta repetir todo el tiempo lo mismo, para bien o para mal necesito ir cambiando lo que voy haciendo, aunque después repita ciclos.

-¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?

-Para mi, el tiempo tiene que faltar… sin presión de tiempo no creo nada. Así que lo ideal ¡es que me falte! Por alguna razón, soy hijo de la presión… creo que (en mi caso) la presión hace diamantes. Además soy de los que no puede estar mucho tiempo con una obra. Las abandono bastante rápido, necesito despegarme de ellas con rapidez y que la cosa fluya hacia otra obra nueva.

-¿Qué te interesa que generen en el espectador?

-Algo. Mucho, poco, pero que algo generen. Sino no tiene sentido! Aunque lo que más me gusta es que generen sonrisas.

-¿Se puede vivir del arte en Argentina?

-No sé, no vivo exclusivamente del arte. Conozco artistas que viven del arte, aunque veo que en general no les sobra dinero salvo contadas excepciones.

-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

-Mmm…. En todos los órdenes de la vida todo es válido, siempre y cuando no perjudiques a nadie. De ahí a que me guste todo lo que está dando vueltas, hay un trecho. Pero siempre hay un roto para un descosido, eh!? Que lo que a algunos nos parece espantoso, otro lo compra gustoso.

-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?

-Creo que hay muchos genios dando vueltas. Hay mucho material interesante y mucha creatividad. Argentina es especial porque los argentinos somos especiales, desde el “lo atamos con alambre” ya se plantea una cosa creativa que podés encontrar en todas partes, desde las obras de arte hasta un graffiti en un colectivo. En este sentido, en los últimos tiempos empezó a explotar y verse mucho más arte en lo cotidiano, especialmente en las calles y paredes de los barrios. Creo que la gente quiere color, y si algo sobra en Argentina es gente dispuesta a darlo.

-¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?

-Tengo poca experiencia en el tema, pero noto que muchas galerías quieren cobrarte para exponer. Es algo que no entiendo bien. Si tenés un espacio para mostrar y vender obra y le cobrás comisión sobre la venta al artista, ¿por qué le querés transferir tu riesgo y cobrarle anticipado? Entonces, como galerista, ¿de qué te hacés cargo? Y ahí nomás entendés por qué cada vez mas artistas venden por su cuenta o se arman su propio espacio, como Milo o D’Arienzo.

-¿Cuáles son tus referentes artísticos?

-Uff, tengo un montón. Me gustan mucho Basquiat, Luis Altieri (asisto a su taller), Bernasconi me encanta, Juan Chavetta, Gastón Izaguirre (¿¡ya lo dije!?), los colores de Milo Lockett y me gusta mucho Hundertwasser, creo que también por el colorido y la soltura en las líneas. Pero busco todo el tiempo cosas nuevas, a través de internet y facebook.

Soy un poco art-a-holic.

-¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo?

-Generalmente ¡por facebook! Pero muestro cada vez que puedo en algún lugar donde me inviten que más o menos me guste.

-¿Crees que el público argentino sabe apreciar y consumir arte?

-Sí, creo que hay un público que si, pero falta mucho todavía. A veces pienso que la clase media (que es la que puede consumir arte en forma más habitual) todavía no sabe diferenciar entre cuadros decorativos y obras de arte. Se nota cuando decís el precio de tu obra, se les transforma la cara. Cualquier cosa arriba de cierto monto les resulta una barbaridad.

-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?

-Conozco obra de artistas a diario gracias a facebook y podría citarte decenas de casos, pero uno muy loco es el de Arturs Akopjans, que vive en Letonia. Tiene una obra increíble. Sin facebook sería prácticamente imposible conocer lo que hace. Ok, lo reconozco: Soy un adicto a las redes sociales.

-¿En qué proyectos trabajas actualmente?

-Además de estar pintando y dibujando mucho, estoy preparando material para la muestra Open Arts 2013 en Norcenter para Julio, y mi primer muestra individual para Junio o Agosto (estamos viendo), seguramente en un espacio en el barrio de Palermo… muy entusiasmado!

 
 

   

 
 

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