Elián Stolarsky y Álvaro Zunini‏

La condición de lo humano, entrevista a Elián Stolarsky y Álvaro Zunini

Elian Stolarsky y Álvaro Zunini‏ inauguraron conjuntamente, el miércoles 13 de marzo, la muestra “La condición de lo humano” que puede apreciarse en la galería SOA ubicada en Constituyente 2046 casi Blanes‏. Según la curadora Jacqueline Lacasa en “La condición de lo humano”, estos artistas logran generar la sorpresa al proponer un espacio profundo de silencio, contemplación y reflexión en movimiento. Con la finalidad de interiorizarnos sobre estos aspectos que nos adelanta Lacasa, es que nos comunicamos con Elián y Álvaro para que de primera mano nos inviten y nos hagan cómplices de sus obras.

“una obra que nace como resultado de un proceso interno que trasciende mi rol de artista para mezclarse en mi vida en general de forma pasional”

 

-¿Qué nos encontraremos en la muestra La condición de lo humano? ¿Por qué deberíamos ir a verla?

Elian Stolarsky: -Entre otras cosas, por que es una muestra hecha con amor y sinceridad.

Álvaro Zunini: -Es una pequeña muestra, se podría decir que representativa, del trabajo que estamos haciendo actualmente Elián y yo. No nos conocíamos personalmente hasta que SOA nos propuso este proyecto y descubrimos muchos puntos en común en nuestros trabajos además de que ambos somos esencialmente dibujantes, quien aprecie el dibujo seguramente disfrutará de la muestra

-Según manifiesta Jacqueline Lacasa, curadora de la muestra, esta propuesta “lleva a transitar territorios comunes, a sorprendernos ante la condición de lo humano, ante los actos inmortales y las huellas imborrables”. ¿Qué es entonces lo que los inspira para crear “a pesar” de esos territorios comunes?

E.S: -Precisamente dichos territorios comunes son los que permiten generar conexiones con el espectador, con un otro. Creo que lo que nos llama la atención de una obra es aquello que nos hace sentir identificados de alguna forma. Las uniones se generan por lo que se comparte, y creo que es en ese territorio donde la obra cobra sentido.

A.Z.: -Yo entiendo que cuando en la curaduría se menciona lo de transitar territorios comunes no se refiere a comunes entre otros artistas, que aunque seguramente los sean, sino a las huellas que como seres humanos todos hemos dejado o han dejado en nosotros y que estos trabajos evocan, es eso lo que se vuelve un territorio común, pero con el espectador. Y creo que es justamente eso lo que lleva a conectarnos con ellos.

-¿Por qué la opción de exponer juntos y qué les despierta la obra del otro, a sabiendas que se manifiestan a través de distintos lenguajes?

E.S: -Surgió inicialmente como una idea de la galería, pero apenas me propusieron el intercambio me pareció fantástico. Álvaro es un gran artista y para mí es un honor exponer junto a él.

Y si bien poseemos ideas distintas y formas de concreción a través de materiales también diferentes, ambos trabajamos con la idea de entramados, tejidos. Él, conformando telares con óleo, yo, entrecruzando rayas con el tallado o el dibujo. Ambos además creemos en el trabajo, en el tiempo vivencial para el artista que implica hacer una obra con nuestras propias manos. Del objeto en el tiempo, la dedicación y las distintas tradiciones.

A.Z.: -Es una modalidad propuesta por SOA, que según hemos visto, ha estado implementando con otras duplas de artistas. La obra de Elián, su calidad de dibujante, la minuciosidad en el trazo y el trabajo constante de la línea me parecen preciosos. Su conexión con su pasado familiar y con historias de inmigrantes hacen que tengamos muchos puntos en común y se vuelvan razones más que válidas para compartir este espacio.

 

-En su obra en general, pero también particularmente en esta muestra, ¿cómo enfrentan a elementos tan importantes para el artista como lo son el tiempo y el espacio?

E.S: -Para los artistas y para el resto de la gente también, supongo. Justamente ahora trabajo con la idea de una memoria que sirve de trampolín al presente, donde la ficción se cuela y donde el tiempo parece no desarrollarse de forma lineal, sino más bien en espiral. Hacer una obra implica vivenciar al máximo el presente, estar mientras se hace, tomar decisiones a medida que van surgiendo el hecho de ir haciendo la obra. Aún así mi materia prima es mi memoria familiar, las fotografías, los objetos (como se puede apreciar en este caso). Estos documentos, me sirven de punto de partida para pensar, sentir, investigar y luego materializar.

A.Z.: -El tiempo se nos escurre todo el tiempo y el acto de creación, de generar una pieza sea cual sea, en mi caso me ayuda a perpetuarlo. Con piezas de arte pretendo ayudar a la memoria a recordar y que duren un poco más, a volverlos un poco menos efímeros.

-Lacasa agrega además que en sus obras funcionan “dispositivos estéticos cargados de sentido religioso, político y afectivo.” Pueden contarnos algo acerca de esto. ¿De qué manera se intenta llegar a esos sentidos durante la creación de la obra y para qué?

E.S: -Considero que no es algo que me planteo conscientemente a la hora de hacer la obra, sino como persona y eso siempre se cuela en lo que una hace. Religioso, político y afectivo precisamente porque dichas facetas son las que determinan la condición de lo humano, una obra que nace como resultado de un proceso interno que trasciende mi rol de artista para mezclarse en mi vida en general de forma pasional.

A.Z.: -Particularmente las obras que estoy exhibiendo en esta ocasión tocan el tema de lo afectivo y de las relaciones humanas. “La pareja de jade” por ejemplo, alude a una pareja mimetizada, con sus rostros ligados o anudados, cubiertos por un tejido creado con óleo que intenta hacer reflexionar sobre las relaciones de pareja.

 

-¿Qué les ofrece un lugar como la galería SOA a dos artistas jóvenes como ustedes?

E.S: -Mucho! Es una galería que ya posee prestigio y que confía arriesgándose a exponer y vender nuestra obra. Para con quienes estoy muy agradecida.

A.Z.: -Primero que nada contar con la posibilidad de exhibir nuestro trabajo y llegar a un público más amplio, eso ante todo es muy valioso. Por supuesto también, acercarnos a coleccionistas interesados adquirir obra de artistas contemporáneos.

-¿Cómo ven el nivel de las artes plásticas en Uruguay hoy en día comparado con el contexto regional o internacional?

E.S: -Quizá no sea la persona más adecuada para responder dicha pregunta. Estoy comenzando a viajar y ver obras en vivo, pero no conozco tanto el contexto regional (más allá de algunos nombres), y el ámbito internacional me parece inabarcable.

Creo que uno debe ser sincero con uno mismo y darse la posibilidad de creer ciegamente en algo. Si se cumplen dichas condiciones y se trabaja mucho, de seguro estamos bien parados a cualquier nivel que se nos compare.

A.Z.: -Uruguay es un país con grandes artistas. Bajo mi gusto personal y muy subjetivo, me inclino hacia cierto tipo de arte. El arte que denota trabajo y dedicación, que transmite consistencia y un sentido claro por comunicar y provocar algo en quien se para frente a una obra. Pero hay una cantidad de artistas contemporáneos uruguayos que están trabajando sin identidad, que con la bandera del arte conceptual, un poco mareados por lo que se ve en los museos de arte contemporáneo en Europa, piensan que es posible cualquier planteamiento o propuesta siempre que esté validada por una justificación teórica. Pero la realidad es que en muchos casos eso termina siendo entendido a medias y nada más por un círculo de intelectuales. El espectador común y corriente se aleja cada vez más, enfurecido y desmotivado. En Uruguay hoy en día hay muchos artistas, críticos y curadores que están trabajando en ese rumbo, y lamentablemente creo que se trata de la mayoría. Supongo que el tiempo depurará y con el paso de los años nos permitirá entender mejor por qué estuvo pasando todo esto.

-¿Cuáles son sus expectativas respecto a esta muestra, tanto a nivel de público en general como de la crítica? (Si es que ambas les interesan)

E.S: -Impactar, en el sentido de generar en el espectador alguna sensación, duda, recuerdo, sentimiento, pensamiento. Que para quien se disponga a observar y dialogar con al obra, le aporte en algo mas allá de solo combatir el aburrimiento por un rato.

En cuanto a la crítica, que si alguien quiere comentar algo, más allá de si es positivo o negativo, que siempre sea constructivo!

A.Z.: -Siempre tenemos la intención de provocar algo con nuestro trabajo, porque ante todo estamos haciendo comunicación con el arte. Si logro engañar al ojo del espectador, hacerlo reflexionar o solo retener su atención por unos minutos, el objetivo está cumplido. Sean estos críticos de arte o espectadores comunes.

 

   

 

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