El Laberinto, entrevista a Gabriela Kostesky

El Laberinto, entrevista a Gabriela Kostesky

Gabriela Kostesky es artista plástica. Nació en el 15 de agosto 1970 en Montevideo. Estudió pintura, dibujo e Historia del Arte con el artista Clever Lara y Álvaro Amengual. El viernes 28 de octubre, en la Librería Viva, inaugura “El Laberinto del Unicornio”, planteando al mismo tiempo exposición y performance, donde el cine y la música ofician como tema. Aprovechando esta instancia, pero queriendo saber y conocerla más, forma parte de una nueva entrega de “Plásticos de esos que ves por ahí”.

“Siempre pienso que cuando le ponés garra y creés en lo que estás haciendo, sale todo lo tuyo, pensando o no en intenciones”

¿Cuándo empezaste en el arte?

En realidad no recuerdo un momento exacto de comienzo, pero siempre me gusto y tuve muchas inquietudes por el camino del arte, y así lo expresaba de niña. Siempre dibuje y pinté desde que tengo conciencia, pero académicamente comencé en el año 1996 ingresando en el Taller del maestro Clever Lara, donde me he formado, estudiado dibujo, pintura e historia del arte. En el taller tuve la posibilidad de formarme además con otros artistas como Álvaro Amengual, José Pelayo, Martín Verges entre otros. Luego ingresé al taller de Gustavo Fernández y posteriormente al de Gerardo Acuña. Y actualmente vengo incursionando en la serigrafía de la mano del artista Luis Scotti en el taller de Clever.

¿Qué intentan exteriorizar tus obras?

Es una linda pregunta, que muchas veces uno también se la plantea. Creo que mis obras expresan mi fuerza, mis sensaciones, vivencias, mi historia de vida. Siempre pienso que cuando le pones garra y crees en lo que estas haciendo sale todo lo tuyo, pensando o no en intenciones.

¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?

Creo que en mis trabajos se conjugan ambas cosas, aunque hay momentos en que emerge de tu interior una necesidad imperiosa de expresarte de una forma muy primitiva e intuitiva, no importando el día, la hora, tengas o no algo en mente.Generalmente estoy en un proceso de investigación y cuando te embarcas en el mismo, cualquier elemento o idea que te aparezca necesitas exteriorizarlo.
Lo importante a mi juicio es ser auténtico en tu trabajo, y además dejarte fluir disfrutando el proceso de creación que es muy visceral.

¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?

Las técnicas con que trabajo son el collage, serigrafía, y también me gusta mucho dibujar y pintar. El collage y la serigrafía me aportan y me permiten transitar por un mundo fantástico, jugando con distintos materiales y dotándome de una libertad ilimitable. Las piezas están en un continuo dialogo y también en tensión, pero es parte de esta historia.

Me atraen los materiales en desuso, viejos, cartoncitos, papeles arrugados, partituras antiguas, fotos viejas, fósforos, y todo lo que voy registrando y me atrapa. Me gusta mucho el juego de transparencias, y las estampas que logras en el empleo de la serigrafía. Personalmente creo que lo más fuerte es el contacto con los materiales, mancharte las manos con tintas, carbonillas, pegar los distintos elementos en un collage. Te introducís de cuerpo y alma de una, y te adentras en la obra y la obra en ti.

Cuando utilizo generalmente los materiales en desuso o que no tienen un valor, es porque creo que los mismos siempre tienen algo para decir, y una belleza inmensurable. Siento la necesidad de valorizarlos y que puedan dialogar. Una partitura manchada con nogalina tiene una fuerza brutal y te lleva por un mundo de sensibilidades y texturas riquísimo.

Los temas que me fascinan para investigar y trabajar son el Cine y la Música. El Cine es atrapante y te plantea un mundo visual desafiante. La Música es un juego de ritmos increíbles, en especial el Jazz. Ambas propuestas tienen un lenguaje plástico exquisito y además se interrelacionan.

Desde el año pasado vengo trabajando con el Séptimo Arte, exponiendo en el 2010 en una muestra llamada “Retratando el Séptimo Arte” y este año en ocasión del aniversario número setenta de la obra maestra de Orson Wells, “El Ciudadano”, rendí homenaje a éste grande del Cine, en la exposición titulada “The Puzzle of Citizen Kane”, contando en ambas ocasiones con la prestigiosa opinión del critico de cine Álvaro Sanjurjo Toucon. Me parecía enriquecedor y distinto tener la visión desde el lugar de un estudioso del Cine de la propuesta plástica abordada.
Con la Música desde el año 2000 también vengo trabajando, en especial con el Tango y el Jazz, siendo motivo de distintas propuestas durante varios años.

¿Cuánto hay de independencia en cada obra y cuánto de relación con la anterior y la siguiente?

Creo que el proceso de creación se va dando paulatinamente, y desde que comenzas tu viaje, las obras tengan o no un hilo conductor temático, técnico, o el que sea, se encuentran vinculadas porque forman parte de tu propia investigación y desarrollo artístico.

¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?

Es muy relativo, hay obras que te consumen la vida y otras que se te dan de una forma increíble.

¿Qué te interesa que generen en el espectador?

Que cada uno busque lo que quiera buscar y encuentre lo que desee encontrar. Absoluta libertad y dejar volar la imaginación.

¿Se puede vivir del arte en Uruguay?

Es difícil pero hay que apostar por lo que más sentís.

¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

Pienso que muchas veces bajo el concepto de arte se abanderan propuestas que se alejan de lo que es el arte en sí, pero la línea es muy fina.

¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las Artes Visuales?

Pienso que Uruguay es un país rico de creadores pese a que es un país chico y de pocos habitantes, pero afortunadamente hay un fluir importante de artistas y propuestas que enriquecen y te retroalimentan.

¿Cuál es la relación del artista con las galerías y museos?

Pienso que es una relación necesaria porque permite que la obra de los artistas pueda ser conocida y difundida, pero no imprescindible.

¿Qué harías para mejorar la relación artista – galería de arte – público?

Una forma sería generar propuestas donde el artista tenga un vínculo más estrecho con el público, generando espacios de interacción que salgan del circuito físico de la galería, y donde se potencialice a los artistas y su ubicación en tiempo y espacio. Estaría bueno trabajar y apuntalar a los nuevos creadores o a generaciones de artistas que no siempre tienen posibilidades de acceder o exponer en las galerías., máxime la riqueza que existe de creadores en nuestro país

¿Cuáles son tus referentes artísticos?

Que difícil pregunta! Hay tantos genios que de un lugar u otro te han y te aportan tanto en tu proceso de crecimiento, pero si tuviera que elegir algunos te hablaría de Tapies, Barcala, Picasso, Rauschengberg, Rembrandt y Bacon entre otros grandes.

¿De qué manera das a conocer tu obra al mundo?

A través de exposiciones reales y virtuales, de mi sitio Web, de grupos que engloban a artistas del mundo, y de las redes sociales.

¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?

Nuestra sociedad en general aprecia el arte, lo que habría que trabajar más es el tema del consumo.

¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?

Me parece fuerte el impacto de las redes sociales, el mundo que se te abre es brutal y lo que podes conocer de las expresiones más variadas artísticas es increíble. Es un medio de comunicación genial y de un efecto dinamizador notable.

¿En qué proyectos trabajas actualmente?

Actualmente estoy trabajando en la exposición llamada “El Laberinto del Unicornio”, que se inaugura el próximo viernes 28 de octubre en la Librería Viva, donde hago un planteo de exposición y performance, teniendo como temática el cine y la música, incluyendo propuestas variadas, música en vivo, proyección de films entre otras.

 
 

   

 
 

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